2010年1月4日 星期一

改編與詮釋~從《彼得與狼》、《老人與海》談起

by 柯惠玲

評判一部改編作品是否成功的標準,或許和評判一部原創作品的準則相差無幾----好不好看(好不好聽)?能不能引人入勝,使閱聽者想要繼續觀看(聆聽)下去?以這樣簡易但普遍可行的標準來看待蘇西˙天普頓(Suzie Templeton)的《彼得與狼》與亞歷山大˙佩脫洛夫(Alexander Petrov)的《老人與海》,這兩部改編自著名音樂與文學經典的動畫短片可說是相當成功的。天普頓給了我們一個和原創音樂迥然不同的改編版本,但無損於我們對彼得的認同、對小鴨、小鳥(或許還有貓咪與狼)的喜愛;佩脫洛夫在忠於原著的架構下盡情發揮玻璃彩繪的特性,為大海的多變與夢境的迷離做出更深刻的詮釋。

不論改編的方向是叛離或貼近,作者能依據個人風格與創意,將原作轉換成另一部面貌嶄新的作品,並自有詮釋、別具意趣,這樣,不僅作品本身成功了,我們也可說,作品的改編也成功了。熟讀《哈利波特》的讀者,或許對電影版本頗多微詞,而且為了保有對文學原著的美好印象,而不願再進電影院看「栩栩如生」的真人表演,不光是因為讀者任意想像的空間被侷限了、被定型了,更大的原因是電影版本照本宣科----將小說情節複製而毫無新意,說故事的邏輯與順序和小說如出一轍----觀眾早已知曉螢幕上將會出現什麼事物,再動人的轉折、再駭人的意外都已在小說中出現過了(當然,對於沒看過原著小說的人那又另當別論),觀眾接下來的任務只是如同拿著百貨公司DM window shopping的顧客一般,對照DM上的貨品照片與貨架上的真實商品是否外表一致、價錢如一罷了。懸疑,不見了;驚喜,沖淡了;感動,也被稀釋了。

相較於此,天普頓的《彼得與狼》、佩脫洛夫的《老人與海》都不以重述故事而自滿。作者在動畫中所呈現的,是一名(一群)藝術工作者對作品的珍視與對觀眾的尊重。佩脫洛夫用長長的兩年完成短短的二十二分鐘短片;而天普頓說:「(創作此片的)這五年,是我全部的生命」。作者不計結果(創作時根本不會想到能不能得到奧斯卡),在創作的過程裡澆灌所有心神在作品中,全心全意栽培、護衛,將它視為自己的全部,這才是一項作品之所以能成為藝術而流傳不輟、感動人心的關鍵。由此反觀台灣動畫界,萎靡不振的原因究竟是什麼呢?仔細觀賞紀錄片《逐格造夢》,或許能找到答案。

在這部如「史詩」般冗長的紀錄片中,忠實地記載了台灣動畫「產業」(產業?不是藝術?!)「波瀾壯闊」卻又令「壯士」(壯士?商人?工人?生產者?不是藝術家?)灑淚的漫長歷程。許多充滿理想壯志的動畫工作者,試圖運用台灣優秀的動畫代工技術,製作出動畫長片,他們往往從改編現有作品著手,如:《烏龍院》、《老夫子》、《三國演義》……,尤其是已有圖像與情節依據的漫畫作品,這些漫畫作品在當時可謂叫好叫座,但是改編成動畫長片後,成果及票房往往令人洩氣,《逐格造夢》片中屢次出現這樣的說法:「那時真的很倒楣,遇到颱風天。」「可惜上檔的第一天就遇到颱風天。」颱風天?令我極為不解----難道這就是台灣動畫界萎靡不振的真正解釋嗎?台灣的動畫工作者是如何看待自己的專業與潛能的?真正的藝術作品,真正好看的電影或動畫,真的會那麼輕易地被天氣打敗嗎?十多年前《鐵達尼號》在後山花蓮上映時,多少人是冒著傾盆大雨擠進電影院的啊!

如果「改編」只是照本宣科,只是試圖從原著的風靡潮流中分一杯羹;如果「詮釋」僅是讓不會動的動起來----觀眾的慧眼將有所評斷----「好看」?還是「不好看」?一個簡易的標準,但卻是需要作者用真實的生命與情感去澆灌的啊!

2009/11/20

原著的改編與詮釋

by 曹昌平

2009/11/3,觀賞《老人與海》。

佩托洛夫用手直接在玻璃板上作油畫,他把人物和背景分別畫在不同的玻璃上,配合燈光逐層投影,拍下一格畫面,然後在油彩沒有完全變乾前,繼續完成下一格畫面,如此費時、費工的加工處理下,動畫才能出現油彩流動的美感。

我初次接觸到像《老人與海》這樣的玻璃油彩動畫,非常感動。看到其描寫夢境的畫面充滿浪漫的夢幻意境,描寫頭髮隨風飄舞或是大海的海浪、海面倒影的波動、水滴滴落等微觀畫面,它們的畫面行雲流水般的順暢;大遠景的畫面又呈現磅礡大氣,充滿藝術感,真是嘆為觀止。

不過本片的劇情大致上忠於原著,較少有創新之意;而且,我個人對於老人與馬林魚對抗的這一段畫面,有些許失望,老人捕到魚後,在跟大魚搏鬥到底過程中,他得忍受口渴、饑餓、疲勞、睏頓的煎熬。老人自言自語地告訴大魚:「雖然我替你感到可憐,但是這是一件無奈的事,,我必須戰勝你,抓到你,我更必須咬緊牙關,忍受身上的創傷和苦痛,來對付你,不在乎我能支撐多久,只要盡最大的能力!魚啊!我是一個憔悴削瘦的老人,希望你不要敗給了我,用你的全力來迎接我的挑戰吧!」。老人想到:「這時我只能想一件事,我即為此事而生。」他所能依靠的只有自己永不被打敗的堅強意志。這段影片原本以為會有刻骨銘心的表情,結果只有輕輕帶過。另外,我覺得背景音樂與對白的音效缺乏一點抑揚頓挫的感覺。

我翻譯了一篇三百多年前的日記,發表在東台灣研究會出版的《東台灣研究》12 (http://www.etsa-ac.org.tw/contents/news/news_detail.asp?id=197&menuID=446),這篇日記如同史帝芬‧史匹柏(Steven Spielberg)執導的動作冒險片一般,描述國姓爺登陸後,一位英雄是如何挺身而出,無畏的面對浩劫,從台東撤出福爾摩沙島的英勇故事。我來到台東的夢想之一,就是將這篇日記拍成電影。我會選修動畫研究課程,就是想探討未來該採用哪一種方式,較適合將這篇日記改編成長篇動畫。可惜《老人與海》這種製作方式很難,而且只能由深具藝術實力的畫師一氣呵成的作畫,我想這種方式的動畫技術不易分工,不適合產業化的發展。雖然中國大陸在美術藝術商業化方面也有充足的人力資源,未來也許我們可以採取兩岸分工的方式,在台灣編劇、製作分鏡腳本,然後分包給中國大陸的畫室製作動畫。不過這麼一來,就失去為台東青年創造就業機會的理想。所以我想我不會採取這種方案。

2009/11/10,觀賞《彼德與狼》。

我以前看提姆波頓之《地獄新娘》這部偶動畫時,當時因為對於動畫還沒有什麼期待,並沒有特別深刻的感想。而今天看到蘇西天普頓的《彼得與狼》這部動畫,卻覺得非常震撼。本片流暢的結合音樂原有的性格與節奏,為每一個角色賦予最生動鮮活的影像生命,呈現出細膩又逼真的偶動畫。

比起上週,我覺得這部動畫雖然在音樂方面完全忠於原著,但是蘇西天普頓的畫面表現與改編劇情細節,更為嚴謹而流暢,並且深具時代意義。我認為蘇西天普頓全力以赴,終能創造出完美的作品,或許在偶劇的創新突破上也算是個經典之作。本片沒有迪士尼美化過的故事,真實的呈現貧窮的彼得與老人相依為命,住在寒冷蘇聯鄉下的氛圍。片中出現的幾個人物都很傳神,隔代教養的老人只會嚴厲的指使小孩,並限制在安全範圍活動,因而孤獨的彼得只有跟鴨子與小鳥為友;而先出現和善的馬戲團主人,更凸顯出地痞流氓式的獵人,無端的欺侮彼得,令人厭惡,也呼應現實社會中確實充滿著危機。導演精心的設計了許多小細節,讓劇情的發展非常合邏輯。全片完全沒有對白,可是卻能充分傳達彼德心境的轉變,我想人偶眼睛的表情扮演了很關鍵的因素。最後,彼得將野狼放生,並且氣定神閒地跟野狼一起走過大街,成功的塑造出彼得成長為勇敢的英雄形象。套用游老師的結論:無聲勝有聲的版本,或許加入了是更多觀眾詮釋的空間吧!有關細緻的場景與人偶的製作,非常的逼真,尤其是老爺爺的臉部和手,乍看之下好像真的人扮演的,可以看出波蘭製作偶動畫的專業。另外,我認為導演為了減少野狼吞下小鴨子的畫面令人難以接受,將小鴨子的造型略微轉變成為好像是個絨布做的假玩偶。

我覺得參考本片,以偶動畫為主、3D電腦動畫為輔,或許加上一點皮影戲(綠島皮影戲有超過150年歷史)的效果,可能是我們未來台東動畫可能採用的方式。雖然很費時、費工,但是可以分工得很細,不但能創造許多台東青年的就業機會,而且可以善用原住民木雕、琉璃珠與編織的技藝,創造出具有台東特色的動畫。

老人與海動畫片觀後心得

by 黃貝云

一、前言

《老人與海》是一部大家都十分耳熟的經典名著,但利用玻璃畫的方式來觀看動畫卻是第一次,在其中短短約二十分鐘的動畫,不論是在拍攝技巧或故事意涵表現上都帶給人深深的感觸,以下是我觀賞短片過程中,所觀察到的幾點評論與看法陳述。

二、導演透過玻璃油畫方式來製作影片

本片導演亞歷山大‧佩特洛夫 (Alexander Petrov) 利用玻璃油畫來拍攝短片的方式別出心裁,以是一種相當費時、費工的拍攝技巧,利用手指直接在玻璃板上作畫,把人物和背景分別畫在不同的玻璃板上,配合燈光逐層投影,拍下一格畫面,也就因如此費工的技巧下,造就了一部優秀的動畫短片,使整部動畫的表現風格相當生動、精彩。

對於其中的拍攝手法,我比較注意到的是「海」和「天空」,從以往至今,閱覽過的動畫不計其數,對於海與天空的拍攝方式,本片利用了不同於以往印象中對海與天空的呈現方式,不管是平靜的海、水波粼粼的海浪,或是馬林魚躍出海面時濺起的水波,甚至是晴空萬里的天空、夕陽西下的天空或是佈滿星星點綴的天空,在對於海水起伏變化與天空彩色萬化這個部分,在鏡頭遠近的折射光影上,利用玻璃油畫呈現此多變的面貌,使得本片中的「海」與「天空」更加富有生命力且具有多層次的美學感動。

我想《老人與海》作者海明威 (Ernest Hemingway) 也會同意利用玻璃畫來拍攝這部短片吧!藉由此拍攝手法,將原著文字意涵轉換成動畫的詮釋能力明顯能融合角色內心,且充分表達每個角色心情轉換之處。

三、《老人與海》動畫情節分析

(一)、老人與男孩:

在動畫當中可以發現到老人的生活起居幾乎都是男孩打理,從叫老人起床、吃飯甚至在出海捕魚之餘,老人依然想著:「如果男孩在這裡就好了…」,由此可看出男孩對老人的重要性,兩者之間也扮演著亦師亦友的角色,老人向男孩訴說著年輕的往事,似乎老人在男孩身上可以找回屬於年輕時的那份光彩記憶。

(二)、老人與馬林魚搏鬥場景:

捕魚,顧名思義就是要將魚捕起來,在透過動畫觀看老人與不肯乖乖就範的馬林魚這幕時,傳達出老人不僅僅只是要將魚捕到,且要透過捕到魚這個過程將自己的自信也一同補回來。

(三)、老人與自己內心的對話:

出海捕魚的老人在獨自面對大自然時與自己的對話,在文學技巧上使用了「獨白」 (soliloquy),我覺得這段不管對於文本或動畫來說都是相當重要的一環,獨自在海上的老人不僅僅是自己對自己的對話,更是在與我們觀看者對話,作者間接將作品中想呈現的想法藉助此技巧表現出來讓讀者了解。

四、分析與比較海明威兩個不同作品-兩個老人之心境上的不同

因為是改編自《老人與海》名著,所以在動畫上多多少少都會有些許不同之處,但唯一不變的是,主角老人對於八十四天都沒補到魚卻存著不放棄信念的想法,不管是文本或是動畫上,是皆可感受到的。我曾經閱讀過作者海明威的另一篇作品《A Clean,Well-Lignted Place》,故事中主要的主角有三人,主要是在講述在一個老人深夜待在一個咖啡店裡還沒離去,一老一少,兩位服務生談論著老人,年輕服務生想把老人趕走,好能下班休息,老服務生卻覺得不該這麼做。

上述的這篇作品,在我的感覺之中與《老人與海》中的老人相似之處在於:同樣都是老人,也同樣在他們的人生中經歷了人生當中的高底起伏,也曾仰仗年輕就是本錢、敢衝敢做的特質,經歷了年輕時的美好,但年華老去之後,生理與心理上的變化,不再像年輕時擁有的活力與自信,那一生所能看見的所有風景,也都將隨著時間與年齡的消逝淡去,《A Clean,Well-Lignted Place》中的老人對於年華老去的現況,與《老人與海》中老人回到岸上只剩下馬林魚的骨頭,兩者都傳達出一種虛幻、一種精神信念必須猶在的人生觀;兩篇故事不同之處在於《老人與海》中的老人還能在捕不到魚的八十四天之中仍存在著希望的想法,這是我覺得在《老人與海》中所感受到想傳達給讀者或是觀看者鼓勵追求永不放棄的信念。

五、結語

《老人與海》動畫在導演用玻璃油畫的拍攝手法下,讓我了解到原來經典名著的呈現方式原來也可以有另一番風味,以另一種方法重新承襲表述了海明威所欲傳達的一種人生觀,也讓文字藉由拍攝轉換成動畫視覺感觸更具層次性。海明威的作品有獨特的節奏,那樣的節奏彷彿可令人以老人為主體般,感觸到人老年華逝去的哀愁,然而,海明威在令讀者陷入這樣的哀愁之餘,以老人搏鬥大魚的生動的力量,告訴人們永遠要秉持著永不放棄的精神,這樣的故事結構是別出心裁的讓人感到光明,先讓人知覺環境、知覺心境,而後知覺人生的意義,也許這就是海明威要給人們的正面力量吧!

動畫研究 觀影心得-1

by 陳君豪

老人與海

亞歷山大‧佩脫洛夫(Alexander Petrov)生於 1957 年,他的動畫作品被稱為「浪漫寫實主義」,因為他擅於在寫實的情節裡,加入非寫實的因子,像是夢境、神話、宗教之類,讓動畫更有戲劇張力、內容更加飽滿。

佩脫洛夫把尤瑞‧諾斯坦所研發,利用多層玻璃製造人物立體感的手繪技術,運用到油畫上。佩脫洛夫則用手指直接在玻璃板上作畫,他把人物和背景分別畫在不同的玻璃板上,配合燈光逐層投影,拍下一格畫面,然後在油彩沒有完全變乾前,繼續完成下一格畫面,如此費時、費工的加工處理下,動畫才能出現油彩流動的美感。

《老人與海》描述老漁夫在汪洋中與大魚搏鬥的故事。由於故事圍繞在老人身上,如何讓影片不顯得單調,或陷入獨幕劇的困境,就是一大挑戰。佩特洛夫的想法是,這個老人不是在釣魚,而是通過繩索要游向海與天,他要呈現這種感覺。

他擅長場景跳接與光影變化,加上浪漫畫風,把老人攀附一條繩索在海天浮沉一生的情愫完整表達。動畫開場就從海景轉為山景,山巒幻成幾隻雲端漫步的大象,引出奔騰羚羊,又定格在獅王帶領母獅群行走於瀑布頂端,最後才帶出吊床上的老人。片中除了以老人的觀點描述,也有魚兒從水中睥睨人類世界的詭異。老人與大魚的長期抗戰在書中頗為冗長,在片中卻顯得緊湊無比。呈現了讀者文本的再創造,讀者在此轉變成為了作者。文本與作品與讀者的讀者反應理論在此很可很清楚的看到彼此的相互關係,彼此相應卻又些許相斥。作品本身的詮釋才是最重要的,文本本身一直都具有活力,不論他是哪種形式,這就是文學文本本身最迷人之處。

彼得與狼

「彼得與狼」原為烏克蘭作曲家普羅高菲夫(Serge Prokofiev)在1936年專為兒童創作完成的交響樂入門作品,配合一個充滿童趣的孩童與家禽野獸的主題故事,再用小提琴弦樂四重奏、長笛、豎笛、 雙簧管、低音管、定音鼓和三支法國號來表現彼得、小鳥、肥貓、鴨子、祖父、獵人和大野狼的性格與動作,音樂與戲劇故事的交響共鳴,譜成辨識度極高的音樂劇,充滿了童玩之趣。

「彼得與狼」的故事描寫小男孩在原野上快樂嬉戲,小鳥和小鴨雖然都是彼得的好朋友,卻彼此看不順眼,彼得家的小貓也伺機要獵食小鳥,同類相斥和生態食物鏈的人間關係提供了豐富的音樂表現空間。

故事是耳熟能詳的兒童傳奇,但是Suzie Templeton無意照本宣科,彼得被改成俄國鄉間的小男孩,對老爺爺上鎖的後院充滿了好奇,只是掀了一塊鐵皮往外看,就被爺爺制止,那是受到制約的不快樂童年;彼得到城市送貨,卻被兩位軍人給丟到垃圾桶之內,那是遇到強權只能忍氣吞聲的不快樂人生。

雙重不快樂的「前因」讓觀眾充份明白彼得渴望出遊,渴望獲得尊重的小小心願,塑造了他潛伏於心的反抗動機。因為氣球結識了小鳥,在小鳥的誘惑下偷了鑰匙,出了後院,在結冰的湖面上,產生了不少趣聞,這些情節基本上都符合了原本的故事架構,只是在栩栩如生的偶動畫製作,極富電影感的分鏡圖,及動感十足的音樂引領下,即使故事不新,依然有讓人看得津津有味的視覺力道。

最重要的關鍵在於野狼雖然吞了鴨子,但是那是弱肉強食,物競天擇的生存法則,與人親近的鴨子因而得到憐憫與祝福,但是鴨子之死,野狼固然是「兇手」,但那是它的本性,人類殺生不受制裁,何以野狼就是該死?並不意味著彼得就有復仇的「正義」動機,他的氣憤填膺,反而像是私人恩仇。

早期的童話故事多採擬人法,站在人的立場看事物,《彼得與狼》則是試圖多增加不同視野,人不是至尊無上的生物,就像爺爺無法完全禁制好奇的孫子一樣,從理解與體諒出發,生命視野就不一樣了。

除了主題有新意之外,《彼得與狼》的偶動畫技巧亦非常精彩,從衣著到佈景的質感與線條都不同於以往偶動畫的虛假,再加上動作韻律的流暢,以及精細到直逼戲劇電影的分鏡效果,都讓《彼得與狼》有了濃烈的戲劇魅力,連帶也使得普羅高菲夫的音樂更有說服力了。

動畫研究觀影報告—彼得與狼

by 童于珊

在蘇西.田普頓(Suzie Templeton)的版本《彼得與狼》裡,同樣採用的是原著普羅高菲夫的音樂,以動畫的方式重新呈現了新的格局,在相隔半個世紀以後的作品,儘管採用的為偶動畫的傳統定格拍攝手法,卻加入了新的角色,也顛覆了一些原有的角色,予人耳目一新之感,其中劇情的改編和角色的形塑相當值得探討。

主角彼得一出場,一雙不羈的眼睛盯著窗外直望,流露出對自由的渴望,陰沉的表情與原始版本中天真的彼得大為不同,在得不到祖父外出許可和遇見獵人霸凌的雙重壓迫下,也暗示了其後的劇情的發展以及主角性格的多樣貌,再現的動畫文本中,也反映出相當程度的現實,真正的童年並非只有單一的危險,也並非傳統想像中的甜美,在田普頓的版本中,彼得不只必須對付狼,還有親子、同儕與社會人際遇到的壓力,事實上,導演田普頓運用了一些拍攝手法的暗示,顯示彼得面臨的困境,為之後的劇情埋下伏筆,首先當他前往鎮上購物時,注意到了皮毛鋪高掛的狼頭,狼雖已成標本,仍帶著兇惡的表情,這是第一次與狼的近距離接觸,直接暴露了彼得的恐懼(見圖一),而之後他不慎撞到了從皮毛鋪步出的獵人,因而慘遭修理,導演將鏡頭從皮毛鋪上方(狼頭的位置)往下拍攝,剛好呈現狼頭與彼得在同一個視角,恰與兩位獵人對看,透露彼得與狼終將站在同一陣線(見圖二);其次,當彼得被獵人丟進垃圾堆時,有一幕為其他孩童與在遠方觀望他被欺負的情景,令人感到尷尬萬分的是,彼得心儀的金髮女孩,也在人群之中觀望他(見圖三),這也就為之後彼得與爺爺一同到鎮上販賣狼,他高坐在車頂上所呈現的強大反差而佈局;在這兩個例子中,都能看出權力主體的位置轉移,一開始彼得於戰鬥中處於弱勢(狼在上,彼得在下,見圖四),到最後他轉換局勢,狼與獵人成了名符其實的「獵物」(彼得坐在車頂,往下對付獵人和已收服的狼,見圖五、六),視角的運用讓彼得的性格更為鮮活立體,並使劇情層面更為加深。

如故事中敘事者的觀點一般,導演的拍攝角度,也同樣代表了個人的意識形態,無形之中為男童陽剛的形象更為具象化。在影片開頭前,導演用了狼的視角,紀錄了狼在樹林間行進的過程,除了帶來視覺上的震撼,也激發了觀眾的恐懼,當劇情開展至彼得與狼戰鬥的段落時,自然而然會同情彼得,但獵人在暗處的偷襲,卻破壞了光明正大的決鬥,此時觀眾又開始認同狼,認為動物反而比人更有骨氣,導演塑造了獵人的反派形象,凸顯磊落與卑鄙之間的差異,也強化了彼得的英勇氣概,事實上我們無意識地藉由劇情呈現的反差,間接認同了彼得與狼的地位,並將彼得為鴨子報仇,所呈現的勇猛氣質和單打獨鬥的狼畫上等號,視其為一種理所當然的男子氣概,這也就是最後當彼得放走了狼,觀眾會劇情感到合理,鄙棄以金錢來衡量生命的作法,同情狼的遭遇,認為彼得和狼的精神才值得讚揚。

在吳玫瑛的論文〈《手斧男孩》系列小說之自然書寫與男童文化之建構〉中,提到了主角布萊恩與狼之間的互動關係,狼為森林的統御者,布萊恩師法狼,而狼也將他視為一份子,而他們之間的認同,就成了布萊恩蛻變成男子漢的儀式,宣告其已經當初的弱者。(279-80) 《手斧男孩》裡狼與布萊恩之間的情誼,可以用來說明《彼得與狼》的結局,彼得將權力下放至與狼同等的地位,接受了狼應該要回歸山林的命運。有趣的是,最後當彼得決定放走狼,此時音樂恰好為鴨子的雙簧管主旋律,兇猛的野獸在柔和的音樂配搭下,顯得溫柔許多,兩個英雄相知相惜,用眼神相互道別後,狼便重返自然,代表狼的法國號響起歡慶激昂的音符,為這齣戲劃下一個句點,從音樂的搭配性來看,也可應證動畫文本如何形塑彼得的勇者形象,並結合狼的尊貴意象,使其更為強化。

蘇西.田普頓的《彼得與狼》,翻轉原著中彼得的形象,不再只是單純等待救援,加入了彼得與狼的搏鬥場景,並運用拍攝視角之不同,以及音樂的搭配來襯托英雄氣質,進而認同狼即為彼得的化身,英勇的精神高過以金錢換取生命的成人價值觀,另一方面,從歷史層面來說,此作品也展現了童年觀的演進,強調孩子的世界並非無憂無慮,就如同劇中無論爺爺如何保護彼得,他仍然跨越藩籬,踏入了充滿危險的世界一樣,不再強調兒童天真脆弱的形象,而是添加了新的元素,豐富了孩童與童年的樣貌。

引用資料

吳玫瑛。〈《手斧男孩》系列小說之自然書寫與男童文化之建構》〉。《第十屆「兒童文學與兒童語言」學術研討會論文集》。台北:富春文化,2006年6月。

附錄圖片

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圖一:皮毛店內的狼頭 圖二:狼頭與彼得和獵人的對望 圖三:彼得遭霸凌

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圖四:狼在高處觀望 圖五:彼得高坐在車頂 圖六:彼得在高處對付獵人

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圖七:彼得制服了狼 圖八:彼得考慮放走狼 圖九:彼得決定放走狼(權力轉移)

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圖十:彼得與狼同行(權力均等)

從交響樂曲到當代偶動畫—《彼得與狼》觀影心得

by 鄭宇廷

壹、前言

說實話,筆者從來不曾喜歡過《彼得與狼》這首曲子,除了沒有聽交響樂曲的習慣之外,大概就是因為在我知道這首曲子時,關於音樂的一切想像就被國中漂亮的女音樂老師給解說完了。(當然不能都怪她,因為原作就是「教育音樂」啊!)一件藝術創作到底需不需要解說真是個值得思索的難題,如果在作品完成時,從創作原因到旨趣都詳細的附在其中,這會不會同時也是一種創作上犯規的行為呢?

這次透過偶動畫的作品欣賞時,音樂與影像變成了合作無間的演出,真是巧妙到讓我眼睛一亮,它打動了我心中某些關於想像的元素,但有趣的是,當我在家中想要閉上眼睛認真聆聽音樂時,腦海裡男孩的眼神總是盤據,會不會是另一種感官上先來後到的影響呢?

根據資料的告知,《彼得與狼》是Serge Prokofiev於1936年的作品,而今日在課堂上所看的,則是由女導演Suzie Templeton據交響樂原作在2006年重新創作與構思拍攝而成的。在此,我想要談談作品中兩個有趣之處,第一是從偶動畫的製作與表現方式出發,談談影片中的場景設計,第二則是從動畫的故事呈現開始深入,思索改編作品的隱藏意涵。

貳、場景是個大舞台

本片採用偶動畫形式製作,其中的原因頗堪玩味,但真正讓我不想閉上眼睛,緊緊抓住眼前一切細節的,就是片中的森林(大自然)。作品一開始,導演努力將森林烘托成一個讓人不得不去注意的地方,所有人物的動作都與森林有關,它是全劇的舞台,也是故事發生的背景,祖父以一牆之隔,隔開了彼得與大自然的接觸,而當彼得第一次由圍牆的小洞中觀看牆外的世界時,森林儼然是深邃而神秘的,與彼得的家以及小鎮上的風貌,形成了強烈對比。攝影將森林的第一眼畫面安排得十分出色,在彼得視角觀看的當下,觀眾都能體會他想要得到自由的欲望,直至彼得拿到鑰匙,穿過圍牆之後,森林變成了彼得、鴨子、小鳥與貓的表演舞台。

在場景設計上,圍牆之後的森林可分三個層次,第一個層次是圍牆之後的小空地,以及結冰的湖水,第二個層次則是湖水旁看來年紀甚長的大樹,最後第三個層次則是一望無際的森林。觀影的時候,除了片頭與片尾部份外,這三個層次的場景承載了大部分的故事,結冰的湖水讓偶運動起來更具動感與喜感,大樹則承擔貓的上下爬行運動與小鳥升起落下的高低反差活動,遠方的森林不但冰天雪地、一望無際且充滿危險,狼也是從這個森林中出現,來威脅彼得與動物們的安全。

如果把動畫中的場景設計看成一個大舞台的話,那麼不論畫面中的場景與人物多麼不真實,在共同時間內,觀眾與角色其實是存在同一空間中的,這就觸及到電影本質的問題,偶動畫究竟是動畫還是戲劇呢?筆者認為《彼得與狼》更加類似舞台戲劇片(Théâtre filmé)而非動畫。這樣的作品在影像呈現上不同於電影或動畫的場景調度強調真實,它更應強調場景與舞台的設計(巴贊,《電影是什麼》,頁154-156),從虛假的背景中,讓觀眾「信以為真」,這同時也回答了本節一開始筆者所要探討此作為何選擇以偶動畫的方式呈現,值得玩味之因:偶動畫的缺點(不真實),成為了此作的優點,Templeton所創造的,是以影像為主角,有Prokofiev交響樂伴奏的舞台作品。

參、男孩是隻大野狼

看動畫(或電影),有時真是想為作品中的一些隱喻拍手,但有時想想,真不知是變成導演指涉的那位理想讀者,還是真的在看電影時想太多了呢?在觀看此作時,男孩的眼神一直久久縈繞不去,那種銳利與深邃的感受,似獸多過人。人與動物的差異在哲學議題中一直是個爭論不完的話題,但我們普遍都接受Aristotélēs人類擁有理性的說法,卻未深思這樣的說法最終還是站在「人」的一方立論。倒是在這部偶動畫中,我明顯看到了導演對生命的尊重。

一直以來,對於兒童的教育方針,皆無法擺脫成人自以為是的思考。時而有行為主義將兒童視為「不完全的有機體」,時而將童年視為「自然」現象的情感思考,人們經常輕易的假定,兒童生理上不成熟狀態乃是童年的主要特徵。(黑伍德,《童年之死》,頁10)在《彼得與狼》一片中,導演明顯的將對兒童的限制與管束加以凸顯,不論是那道層層疊疊搭建而成的圍牆,還是彼得身上的種種耐寒保護,甚至小鎮上打扮入時的孩子們玩的現代遊戲,孩子終究是一個完整的生命體,當大人在限制兒童時時,不但世界成為了由成人威權所主導下的生命發展,那道破爛圍牆更是諷刺,擋住的究竟是大人還是孩子的生命與眼界?那些一道道修修補補的痕跡,盡是大人對孩子生命缺乏尊重的表示。

在本片改編過後的結尾,導演以一種非常顯明的手法表現她對生命的看法,讓彼得放走了狼。不論動畫中放進了多少關於動物被殺,被剝皮與被虐待的畫面,在放走野狼的彼得眼中,筆者看到了一絲得意,他知道這樣的生命終歸是需要自由的,正如同孩童終究會離開成人保護,追尋自我的成長,彼得不加束縛於野狼,也不輕易犧牲掉野狼的生命,這一切都是由他主導,且安排一個被尊重的生命離去,如此結束可真耐人尋味!回到本節最初,人究竟是人是獸其實不重要,天地萬物的生命都是需要被尊重的,放走野狼的彼得,不但知道自己終究會脫離圍牆,也在與狼互動中,肯定了自己作為一個完整生命體的價值。

肆、結語

如果從Prokofiev的國籍烏克蘭來看,那兒真是個野狼殺不完的地方,就算最後殺了一隻狼,或將一隻狼送往動物園,還有許許多多的野狼在森林中四處流竄,沒有將其殺盡的一日。筆者不禁作進一步聯想,孩子也是世界上一直會出生的「物種」,就算將一個孩子關在圍牆中,還有千千萬萬的孩子等著長大,什麼時候大人才會發現,兒童不但是兒童,也如同野狼一般,是個值得被認真對待,充分尊重的完整生命呢?

《彼得與狼》觀影報告

by 徐雨青

一、關於偶動畫

和上星期看的玻璃動畫《老人與海》比起來,偶動畫是比較熟悉的媒材。每次看到偶動畫,就會讓人忍不住想到更貼近我們生活的「布袋戲」。布袋戲不也是透過人偶在演戲嗎?只不過布袋戲的人偶是經過後台師父的巧手操弄,讓觀眾可以見到即時的演出;而偶動畫則是將人偶擺弄好,一張張拍攝下來,再製作成影片觀看,少了份臨場感和直接的互動。

但在看過《彼得與狼》導演蘇西天普頓歷經五年,嚴謹的製作過程後,又會覺得要產生一部偶動畫真的是件工程浩大的事啊!從角色定位、人偶製作、場景搭建、拍攝、電腦動畫、配樂、後製剪接……等。每個步驟都得精準到位才能完成出這麼高水準的片子。也難怪需要這麼長久的時間,投入那麼多的人力。這些真的需要導演一再強調的「熱情」!

偶動畫和一般的電腦動畫最大的不同在於它的真實感,爺爺臉上的皺紋、小孩們身上的衣服、動物們身上的皮毛……等都和真的一樣!至於3D立體的空間感、光影的呈現,甚至人偶的眼神等都有別於電腦動畫。這是偶動畫優於電腦動畫的地方,也是偶動畫最吸引人的地方。

二、關於配樂和角色

普羅高菲夫的《彼得與狼》是有記憶以來就很熟悉的古典樂。在還不知道其中的故事內容時,就已經被這首配器簡單,聽起來輕鬆明快的交響樂所吸引。之後在了解了音樂劇的情節,以及知道毎個人物的代表樂器後,就會開始想像和構築角色的形象。但很可惜的,我覺得蘇西天普頓的彼得和我心目中的彼得相差甚遠。在故事一開場,大雪紛飛中,彼得從窗戶露出陰暗的一張臉。多麼不快樂的小孩啊!這和由弦樂構築成的開心小彼得真的差很多呢!

但普羅高菲夫的《彼得與狼》真的是充滿魔力,一整段在後院的主戲,因為有音樂的搭配,顯得特別的生動,毎個角色都有自己的風格,就像代表的樂器一樣。就算沒有台詞,還是可以透過樂器和音符輕易的感覺出角色間的互動和劇情的拉扯。但很可惜的是偶動畫的結尾和開頭一樣,因為改編的原因,和原著音樂沒有很多的配合,顯得沉重而有隔閡。

三、顛覆原著是好是壞呢?

看完蘇西天普頓的《彼得與狼》後,一直在想導演顛覆了原著而做了這個版本到底是好是壞呢?花了五年時間若只是重現普羅高菲夫在1936年時的原著,而沒有與時並進,似乎也太可惜了。而且由單純的音樂演奏變成畫面的呈現,如果只是情節簡單、角色單純的童話故事,可能也沒辦法構成一個成功的戲劇。所以將原著情節做些更複雜的變動,將角色個性更稜角化似乎是無可避免的改變。

在得知蘇西天普頓製作《彼得與狼》有部分原因是為了要在2006年慶祝普羅高菲夫的原著七十週年後,一直很期待見到影像和原著音樂的配合。但一直到彼得推開了後院的柵欄,這才聽到了熟悉的交響曲慢慢出現,讓人覺得真的等了好久啊!前面的鋪陳會不會太長了一點呢?這就是改編原著所受到的限制吧!因為在此之前的角色和劇情設定和表現是偶動畫導演自己加入的,所以沒辦法有合適的音樂配合。

真的很可惜!畢竟這是個很有音樂特色,而且樂器和角色還有密不可分關係的音樂故事啊!由此點來說,真的有必要把彼得這個角色,甚至是整個故事做更深刻的改變嗎?還是有別的說故事方式可以讓角色特色和音樂做更好的結合呢?

偶動畫:《彼得與狼》心得

by 林依綺

最初的感動與偶動

第一次欣賞蘇西.天普頓版本的《彼得與狼》,隨著輕快活潑的弦樂合奏展開冒險旅程。本片的特色之一為全片沒有對白,單純由人偶的動作和表情,搭配普羅高菲夫最著名的交響樂曲,非語言的表達是「默劇」的一大特色,它不排斥聲音、音樂,卻拒絕語言,因為語言的介入使演員變得懶惰了,本片默劇式的演出更能增添想像空間,也適合各種年齡層和國籍的觀眾欣賞。現在主流電腦動畫的字幕,會不知不覺得被侷限住思考和想像的空間,沒有字幕也能讓我們更專注於整個場景的運鏡方式,人物出場和音樂的搭配感,但如果再拿掉音樂的節奏感(非意指本片),是否會剝奪另一種感官的刺激和享受?還是又會帶給觀眾不同的觀賞角度呢?

人偶固然是定而不動的角色,但姿體的擺動是由人所控制的,自然會盡力呈現出流暢的動作;片中角色的外貌也十分的擬人化,連爺爺的皮膚和血管都真實得令人想伸手確認是否為真;通常停格動畫會給人小格局舞台的效果,但街道和森林場景是用高度的寫實設計,令人有身歷其境的感覺。我覺得本片非常成功的地方是蘇西導演花了五年時間,努力的拉近人偶與觀眾的距離,他的用心,我想看過的觀眾絕對能深刻的體驗到。

片中的生命議題:鴨子在結尾時到底要不要復活?如果是一頭母狼,那獵食的動作是否不會受到批判?我投鴨子不能復活一票,本片如此的強調真實感,如果鴨子最後死而復生,前面所鋪陳的一切會有功虧一簣的感覺,這部片可能會淪為一場鬧劇吧!動畫也是一個世界的縮影,弱肉強食的生態環境正可藉著輕鬆帶點灰諧的劇情一同反應出來,是另一種寓教於樂的方式,沒有負擔,能自然的跟著劇情吸收,其實孩子沒大人想像中的脆弱,像爺爺一樣過度的保護,影響所及是無法預料的。食物鏈的運作方式,一物剋一物,狼吃鴨,人補狼,狼在多數的刻板印象中是邪惡和貪婪的,但如果是一頭帶著小狼的母狼,故事是否就複雜了起來?因母愛是天性,無關價值和物種,每個母親都能為自己的孩子做任何事,當母狼被抓時,是否也會在小狼們和自我的傲骨中有著拉鋸戰?

普羅高菲夫的版本和蘇西.天普頓的版本,在原作到現今的七十多年間,大環境在改變,但經典之作還是穩站孩子的喜愛排行榜,蘇西導演在講評中不提有關兒童的內容,但在最後卻收錄了學校教育課程的活動讓國小中年級學生可親身體驗樂器的種類,並可自己動手編寫腳本和設計人物,這樣的活動和普羅高菲夫原本的理念不謀而同。她選擇改編成不同的呈現方式和結局,加入自由的意念和最新的動畫技術,相反的劇情,相同的音樂,卻仍帶給我最初的感動,這就是動畫的魅力和導演的功力。

70年後《彼得與狼》彼得就是狼

by 王俊凱

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一、 前言

風吹著搖擺的一片薄牆,老爺爺四處敲打著需要補強的地方,狼嗥聲此起彼落,不管這牆蓋得多高,還是聽得見不遠處正在覓食的野狼腳步聲。老爺爺手上拿著槍,站在高處發抖著。

彼得在屋裡看著外頭,無奈也無趣,彼得閉上眼…

腦中浮現出牠特有的獵人視角,獨步在森林裡的石塊落木堆中穿梭著,

他感覺到了牠,他就是牠。

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1936年《彼得與狼》第一次以交響樂配合旁白的方式演出,主要目的是要透過故事的方式,引介兒童認識樂器。70年後,由Suzie Templeton執導的《彼得與狼》,以偶動畫的方式再詮釋。在Suzie Templeton的其中一張電影海報中,可以看到彼得的眼神像盯住獵物般,雙腳大大岔開,姿勢好似在告訴獵物「我已經準備好了」,而彼得地上的狼型影子,勾起筆者想試著推敲出,導演或許是想表達「彼得就是狼」。

有人認為一部以自己的方式存在的優秀曲子,或許根本就不需要視覺的表現形式,但筆者在觀看2006的《彼得與狼》後發現,透過視覺的現代詮釋,在不破壞原始架構下,就像讓舊瓶子裝上新的烈酒,看似一樣的外在,嚐起來卻有現代的口感。

二、 彼得與鴨、彼得與鳥、彼得與貓

在筆者觀察「彼得與狼」的相互關係時,發現故事在接近結尾,當彼得將束縛在木箱中的狼釋放出來,音樂配合的不是熟知的法國號,而是被吃進肚裡的雙簧管,那隻鴨子,這是筆者想要加以探討的議題之一。且故事中,只有彼得與「狼以外的動物」有互動,因此筆者大膽推斷,狼以外的動物,其實都是在反映彼得的內心世界。以下試著解釋鴨子、鳥、貓與彼得內心之間的相連性。

1.未經社會磨練的溫室彼得─鴨子

鴨子除了在故事中是個讓人安心的角色外(安撫彼得、陪伴彼得),似乎更有未經社會磨練的溫室花朵味道,當彼得被老爺爺教唆去鎮上買東西時,鴨子若是彼得最貼心的夥伴,理應跟著一塊去,但卻留在圍籬家中;當野狼出現時,鴨子在沒有判斷自身的處境以及條件下(『結冰的湖面』以及『行走的速度』),貿然地跑回圍牆的另一面,結果當然是被野狼給吞噬。結冰的湖面上其實是安全的,片中有傳達出野狼根本不敢走在結冰的湖面上。

2.渴望自由不受束縛的彼得─鳥

鳥在戲中值得注意的是出場以及結尾的部份,在彼得被獵人丟進垃圾箱後,以一隻翅膀受傷的鳥出場,結尾在彼得帶著捕獵的狼回到鎮上,獵人用槍指著箱裡的狼,導演給予觀眾的鏡頭就像當初獵人用槍指著垃圾箱裡的彼得,彼得隨即拿出繩網網住獵人,當下鳥受傷的翅膀似乎不藥而癒,就像彼得當初被獵人刺傷的心復原了,鳥也隨著彼得心靈的釋放自由地飛上天空。

3.壓抑在傳統壓力下的彼得─貓

肥胖的甚至有畫上眼影的貓,躺在老爺爺的身旁,似乎是跟老爺爺一國的(衰老、守舊),牠發現彼得拿走了鑰匙,隨之走出門外後,一直對著鳥有極大的興趣。貓在此代表像是彼得內心裡的壓力,一股傳統社會習俗給予的壓力,當牠看到渴望自由的鳥,想當然爾是要將牠捕捉下來,避免鳥破壞了傳統,可以看到戲中即使狼都已經在下面等著,貓還是一心只想著把鳥(自由)給吃掉。

三、 彼得與狼

筆者在觀看導演Suzie Templeton的資料時發現,她自述本身非常喜歡利用「眼神」的鏡頭來傳達角色的心境。因此筆者在反覆觀看影片時,特別注意了彼得與狼的眼神交會。彼得與狼第一次相會是在『心裡』,片頭彼得望著窗外閉上眼睛後,隨之下一個鏡頭是狼在森林中奔走的第一人稱視點,似乎暗示了導演想傳達彼得與狼的曖昧關係。

狼的出現把鴨子(溫室裡的彼得)吃掉,用舌頭舔了兩下,導演除了給予觀眾彼得吃驚面孔,也給了鳥驚恐的眼神(此時貓的表情還是只想吃鳥),接著又給了彼得一個長達21秒的長鏡頭,透漏著彼得對於一向被保護得好好的鴨子(也就是彼得自己),被現實殘酷給吞噬的驚恐。21秒過後,彼得有多次與狼的眼神交會,野狼的眼神中似乎在教導著彼得什麼;像是狼被彼得捕獲後,掙扎了一陣子,牠就知道自己輸了不再掙扎,但牠仍直挺挺的站著看著彼得,此時狼的眼神似乎在教導著彼得,即使在現實中會落得短暫的失敗,也不能失去自己的自尊,這在後頭獵人想對一隻被網住的狼開槍,卻被狼犀利的眼神嚇得失了準,以及狼被關進木箱後,仍充滿堅定的眼神中可以發現。

除了從彼得與狼的眼神交會中可以看出導演想傳達的意念外,在彼得與狼的音樂搭配上,可以發現導演也試著讓兩者融合。在彼得被老爺爺從外頭抓回圍籬後,彼得站在籬笆邊,聽到了象徵狼的樂器出現了,三支法國號,這是第一次狼聲響起(法國號),但導演並沒有因為法國號的出現,就把鏡頭轉到了狼的身上,反倒用長鏡頭的手法,讓畫面停留在彼得眼神身上長達25秒,這時的彼得還未意識到狼已經出現,但內心似乎已經因為外在環境的洗染,像野生的狼群一般無法回到過度安逸的環境。在故事中鴨子是彼得最出內心的反射,但在最後彼得釋放狼的一幕,音樂隨之而出主旋律不是法國號,卻是鴨子的雙簧管,這是否可以解釋成原先彼得心境,已經轉化成狼的樣貌。

四、 結論

好的文本不管怎麼解釋都有其有趣的地方,《彼得與狼》在Suzie Templeton的巧妙改編下,讓討論的議題更加豐富。在思考過程中,筆者原先沒想過各種動物的涵義,只是單純地想「這只是照著音樂走而已」,從沒想過《彼得與狼》的關係可以是如此的交錯複雜。

彼得與狼

by 黃立平

在國外《彼得與狼》似乎是許多人兒時的回憶,是他們童年的音樂,通常也代表愉快的回憶。台灣也有不少《彼得與狼》相關的表演活動,但表演場地多半是在都會區,像是台北、台中、台南、高雄等大城市,像我住在南投埔里就沒有聽過那樣的表演,除非是有機會學音樂的孩子,有可能藉由老師的介紹得知《彼得與狼》,一開始可能是先聽CD,然後是找機會去北部聽《彼得與狼》的音樂會。

我自己第一次比較清楚的認識《彼得與狼》就是音樂老師藉由播放《彼》想讓學生認識各種樂器的聲音。之後國中畢業要升高中前的那個暑假,我到台北的堂姊家玩,她讓我自己選想要去聽哪場音樂會,那時國家音樂廳剛好有《彼得與狼》,我們就去聽了。那場《彼得與狼》主要的觀眾是設定給小朋友看的,劇團一邊表演,樂團一邊演奏,中間還會有主持人一邊問孩童問題。我那時也不算是兒童了,只是想去聽聽看《彼得與狼》,觀眾大部分是小孩以及帶著他們去的家長。在表演正式開始之前,樂團與觀眾有一些互動;他們演奏一段熱情澎湃的音樂,然後讓觀眾猜是什麼動物的聲音。讓我非常訝異的是,在場幾乎所有的小孩都大聲的回答:「馬!」那段旋律我很熟,有聽過不少次,但我從來沒有聽到過馬的聲音,而那群小孩卻能夠聽出馬的聲音,真的讓我感到不可思議。那時我是真的感受到了兒童所擁有的魔法,他們聽到、看到的東西,似乎與成人甚至是青少年(當時的我)都不太一樣。所以我相信《彼得與狼》在兒童的耳中,應該也是不太一樣的。

這次看Suzie Templeton所導的《彼得與狼》,一開始就感覺到劇情好像怪怪的,跟我印象中的《彼得與狼》不太一樣。比如說季節不同;一個是應該是春天或夏天的草地與湖水,一個是冬天的雪地與結冰的湖面。角色設定也都不太一樣,劇中角色除了小鳥跟鴉子,其他的人看起來都不太開心,都有各自的煩惱,像天氣一樣有種鬱悶的感覺。Suzie Templeton把鴉子塑造成一個非常讓人喜愛的角色,他不太像鴉子,個性幾乎像狗一樣,還會搖尾巴。我有點好奇,假設劇中的鴉子換成是狗,大小不會比野狼小太多,這樣狼和狗是不是有可能打起架,或是狗就會逃得遠遠的,不會被狼吃掉。

Suzie Templeton的版本每一個角色似乎都變得比較豐富,有各自的心思與目標。以Peter來說,Peter的家一邊對著野外,一邊通往市鎮(那邊也是Peter可以自行前往的區域),對照Peter的心情;一邊可望自由,一邊希望能獲得他人的認同。他和爺爺的關係也有點矛盾,一方面爺爺阻止他到戶外,爺爺對他的態度是嚴厲的,並不會表達出他的感情,但Peter在拿到鑰匙之後,還伸手摸了摸爺爺的鬍子,表現出Peter對爺爺的情感,雖然時間就那短短的一兩秒鐘。Peter在最後捕獲狼之後的自信,從爺爺手中奪下槍,到對付獵人,與先前的他有了一些轉變。但是更大的改變是,Peter的眼神流動,看著肉舖老闆、肉、馬戲團熊的畫像、野狼的皮等等,他做出了很不一樣的決定,他和狼之間的關係也改變了,當他和狼對看時,聽到的是鴉子的主旋律,讓人回想起Peter之前和鴉子頭頂著頭的畫面。在這之間,Peter心境的改變,從希望獲得認同,到離開能給予他認同的環境,這中間他到底看到了什麼?

沒有對白,讓人有很多想像的空間。

老人與海觀影報告

by  楊竣菘

從夢境中來回憶過去,從回憶裡來逃避殘酷的現實。在俄國最知名動畫導演Alexonder Petrov(亞歷山大.佩特洛夫)所製作的《老人與海》動畫中,一開始的夢境已經將這樣的感覺呈現出來。動畫中的老人從夢境中看見小時候的自己,進而由海的畫面移轉到小島的遠山,遠山變成大象,進而帶出羚羊與關鍵的獅群。運用簡單的倒敘手法來吸引觀眾的注意,對看過原著的人來說,這絕對是個很有趣的開場。不同於一般的動畫,Alexonder運用手繪玻璃畫的方式來製作,將油畫的彩度與色調巧妙的將天空與海洋夢幻般的呈現。

在22分鐘的動畫中,我們可以看見Alexonder重新詮釋解讀原著《老人與海》的想法,並增加了老人與馬林魚奇幻的部份,以夢境的解釋讓它合理化。動畫中的老人急欲向年輕的獲得生命認同,但無奈年歲已近遲暮,身體與心理已經不能負擔這種熾烈的欲求,而仍放手一搏出外補魚。雖然老人沉湎在舊日的光采中,來吸納挫折與絕望迎面而來的衝力,好讓自己再多喘一口氣,然而,他所擁有的人類意志力與勇氣,確是許多人所欽羡的。在追補馬林魚的過程中,老人自言自語的獨白,不僅僅表達出他自己本身的感受,也將馬林魚的心情揣測出來。亦敵亦友的情感,隨著三天兩夜的過去,仍沒有改變,即使親手將牠捕獲也不願鯊魚來分一杯羹。

動畫中除了老人之外,也有幾個不得不提的重要角色:

(1) 小男孩:叫馬諾林的小男孩並沒有出現太多次,卻是主要角色之一。動畫中的兩人對話並不多,除了老人的自言自語外,其餘的只有在片頭前與後,老人與男孩之間簡短、知心的交談。男孩雖然還小,卻似乎能夠用心體會老人的感覺,了解他年老的孤寂。每當老人孤寂、恐懼、無助時,他總是想起男孩,並希望他在身邊撐著他熬過。從男孩的身上,老人可以尋回他年輕時生命的光彩。老人同男孩一般大的時候,跟了一艘帆船到非洲去(夢境中的回憶)。

(2) 馬林魚:動畫中的馬林魚,老人稱他為兄弟。大魚剛上勾的時候,牠就像是一個頑劣的敵人,牠硬拖著釣鉤往大海不停地游去,在這漫長的晝夜裡,陪伴老人的也只有馬林魚。馬林魚對老人來說只是贏取救贖的工具,牠背負的就是老人昔日璀璨的生命。大魚在最後無助地慘遭鯊魚吞食,彷彿就是在對老人說,就算你有熾烈的欲念,但是身體仍抵不過宿命,終究會凋零。動畫中的大馬林魚最後只剩下魚頭,事實上是反映了老人的信仰:魚肉是物質肉身,而魚頭代表的是精神,是老人獲得救贖的標記。失去了頭,老人就會失去認同。

(3) 小鳥:一大群候鳥出現在雲端,突然有一隻似乎體力不支的小鳥沿著水面低低的飛著,接著停留在老人握緊的魚線上。這時候的老人因為疲憊而睡著了。落單的一隻候鳥與海上單獨的老人互相呼應。

雖然動畫將原著的某些情節省略掉,像職棒,老人抽筋以及對馬諾林的思念等,即使如此整部動畫依然充滿魅力。導演Alexonder的說故事能力,不只吸引了所有人的目光,也為原著注入了新的生命。隨著時代不斷變遷,一部好的經典作品經由不同的詮釋方式,讓它永遠有新的風貌與不變的內涵。

動畫研究「綜合討論一」

by 楊郁君

一、 影片比較︰

1. 《老人與海》是玻璃畫;《彼得與狼》是偶動畫。

2. 玻璃畫與2D動畫類似,都是同一個鏡頭拍攝;偶動畫利用3D製作分鏡圖,需要事先將鏡頭位置設定好。

3. 《老人與海》有旁白;《彼得與狼》沒有旁白,以音樂劇的方式呈現。

4. 《老人與海》的場景主要在海面上,玻璃畫稍稍不連貫的畫面反而有波光粼粼的美感,將整個場景營造的很唯美;《彼得與狼》利用偶動畫呈現,屬於大人小孩皆宜觀賞的動畫片,利用矽膠做出逼近真實的人偶,整部影片介於真實與虛假之間,尤其是鴨子被狼吃掉那一段特別逼真、嚇人。

二、 原著改編︰

1. 《老人與海》濃縮劇情,在情節上保持原著;《彼得與狼》因應新時代的來臨,改編劇情以符合新時代保育的理念。

2. 《老人與海》原本是文學小說,給人極大的想像空間,每個人設想出來的老人、場景都會有所不同;改編成動畫之後,影像直接呈現在眼前,少了原著給人的想像空間,多了玻璃動畫波光粼粼的美感;《彼得與狼》原本是單純寫給兒童欣賞的管弦樂劇,屬於單純聽覺上的享受,改編成偶動畫之後,同時豐富了聽覺與視覺感官。

3. 《老人與海》原著小說描寫許多細節的部份,動畫則可能因為時間、畫面的呈現效果,將其濃縮,情節較細小的部份可能因而被省略,原本沒有音樂搭配的故事,要找到適合的背景樂也是一項大任務;《彼得與狼》原本沒有影像的音樂劇,突然之間要搭配動畫呈現,劇情的安排與音樂的穿插都考驗著動畫團隊。

三、 玻璃動畫的優點︰

1. 人物表情動作可以有更細膩的呈現。

2. 油畫未乾時,畫出下一張圖,可以節省成本。

3. 不需要事先準備角色的模型。

4. 不受光影影響。

5. 可以表現大自然的色調上的美感,背景色彩較多變化,隨時可以表現大自然吸引人的一面,不受時節影響。

6. 需要的人力較少,《老人與海》由導演一人畫成。

7. 不用特別後製與電腦修片處理支架。

四、 偶動畫的優點︰

1. 較為寫實、逼真。

2. 畫面裡的人偶可以重複使用。

3. 戲劇效果更加強烈。

4. 利用人偶的動作即可傳達訊息,不用旁白輔助。

5. 令人印象更深刻、更能隨著角色進入劇情。

五、 玻璃動畫的限制與缺點︰

1. 腳本必須要很完整。

2. 把握時間,在油畫乾之前儘快進行下一張。

3. 大致上由一人負責,分工的部份較少,相對來說工作量較重。

4. 沒有輪廓線,會有殘影。

5. 畫出一樣的圖案有困難度。

六、 偶動畫的限制與缺點︰

1. 一個角色需要很多人偶來表現不一樣的面貌。

2. 會受光影影響,需要注意打燈的部份。

3. 人偶製作過程費時、費力,需要考慮物質上呈現的效果,因此需結合動畫特效。

4. 費時、費力。

5. 表情無法生動的表現,同一種表情較多。

七、 提問︰

1. 玻璃動畫是由好幾個玻璃片疊成,玻璃片質的是否需要另外考慮?

2. 偶動畫搭配普羅高菲夫的音樂劇,為何還要請樂隊現場演奏,而不直接利用原曲?

八、 感想︰

《老人與海》的玻璃動畫讓我想起梵谷的畫風,那種接近自然又帶點朦朧的畫面,看起來很唯美,尤其是老人與魚搏鬥時,夕陽出現的彩霞,那樣的景色若非玻璃畫似乎很難呈現,整個故事的主題圍繞在大海與天空,玻璃畫那樣的線條正適合這樣的主題。記得有一幕以高角度的方式呈現老人獨自一人在大海搏鬥,鏡頭拍的是海,卻顯示出一朵朵的白雲,原來是天空的倒映,《老人與海》是經典名著,動畫導演在安排畫面也非常用心,或許畫面會剝奪我們想像的空間,但以這部動畫帶給我景色中美的享受,不僅可以融入導演想要呈現的畫面,更沒有破壞自己先前的想像空間,也或許是大家對《老人與海》的熟悉,導演在小細節的部份可以輕輕帶過,觀影者即能明白畫面想傳授的訊息。

《彼得與狼》偶動畫,在小組私下討論時,組員提及「阿公講古」並找出影片與劇照,恍然大悟自己小的時候,就已經看過偶動畫,不同的是這部動畫沒有旁白,只有好聽的音樂,真不敢相信蘇西竟然可以連續聽了五年還那麼喜歡,偶動畫的前製作業是一個浩大的工程,人偶的製作,連動物的獸毛都講求逼真,對於鴨子沒有死而復活的問題,我贊成鴨子被吃了之後又出現確實不太合乎常理的說法,或許就是鴨子的犧牲使這部影片令人印象深刻,又或許說鴨子真的復活了,又能代表什麼?蘇西改編故事結局讓野狼重回森林,我認為是很好的一個觀點,狼的本性確實如此,無論狼到底該回到森林或是被關進動物園,導演想傳達給我們另一種思考方式,萬物皆平等的觀念出現在新世紀,不管我們認不認同,我們都該試著用不一樣的角度去看事情,而非只有單一視野,導演想傳達給我們的啟發或許更深層。

玻璃油畫動畫:《老人與海》心得

by 林依綺

不可思議的畫面流轉

老實說,我沒看過海明威的原著文本,但老人在大海上與大自然搏鬥的堅持,藉著這次的動畫呈現方式,讓我了解到原著文本歷久不衰的理由。汪洋的一片湛藍大海,利用清晨一隻落單的小鳥來表現海上孤獨的小船和老人,還慣用遠景的運鏡方式,頗有天光水色共徘徊的韻味;而晨昏的場景變化,則交代出與馬林魚對峙的時間背景,那光影的變化實在細膩逼真,令我馬上聯想到印象派的作品風格,由光線來負責場景的呈現,每個畫面都是ㄧ幅賞心悅目的好作品,一場美麗又炫目的油畫動態展覽,傍晚晚霞照射海面的波光淋漓,魚群在海上跳動的優美弧線,皆令人久久無法移動目光。

俄國動畫大師亞歷山大.佩特洛夫(Aleksandr Petrov)的作品被稱為「浪漫寫實主義」,所以片頭在夢境中出場的大象、羚羊和獅子就開門見山的帶出他個人獨有的風格,仔細觀察整部動畫畫面的質感,腦海中馬上跳出「朦朧美」三個字。,連清晨的淡淡薄霧都維妙維肖。曾有人訪問他為何以油畫和玻璃當作創作動畫的方式,他的回答真是保有他獨特的創作風格:因他認為這最能表現出他想呈現給觀眾的感覺。真不知是媒材呈現方式帶給他創作的靈感還是呈現方式侷限住他表現的手法呢?原著的文本不乏老人心理層面的描寫,即使是平順的文字,還是能保有想像的空間,如果原著的文本也有夢境的篇章,每個人想像的人事物也截然不同。本片的朦朧美風格相對的會有霧裡看花的缺點,如何完整呈現主角內心的情感,靠片中音樂和對白是不夠的,腦袋思考的時間必須與轉場畫面競賽,但往往由一閃而過的畫面贏得勝利。

玻璃的表現手法,與傳統手繪動畫線條不同的是,此種畫面是藉由在有光影的區域以書寫或是塗刷油彩的方式來進行創作,因為是即興創作,所以就必須對自己的繪畫技巧有相當的自信(本身是畫家),因為玻璃的表面不具有吸收性,可隨擦隨畫,很適合個人電影工作者,即不需大量人力。1我想除了上述兩個理由外,亞歷山大.佩特洛夫會選擇以油畫為媒材,用手指頭直接在玻璃板上作畫的最大原因,是現在的主流動畫(電腦3D)無法取代的:大自然景色變化的自然真實度,對於海景的處理方式,還有顏色的朝夕變化,只有自然顏料才能做到這種功夫,當然也需要高超的技法,看那飽和度極高的藍,前所未有的湛藍,彷彿身歷其境的海水正藍。但其實主要選擇的顏色只有五、六種而已,你相信嗎?

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1. Richard Taylor著,喬慰萱、林泰州譯,《動畫技巧百科》,遠流出版事業股份有限公司,2000年1月1日,頁68

《老人與海》心得

by 張玉賢

「一個人可以被毀滅,但是不可以被打敗。」

這是我在老人與海中,看到最讓我印象深刻的句子;在我的認知中,這也是整個文本中,作者想傳達的,最終極的思想。

聖第牙哥(Santiago)獨自一人在蒼茫大海上,既愛且憐的對待四周的飛鳥魚群,但是他也必須不卑不亢的狩獵、迎戰與受難。聖第牙哥敬重生命、敬重自然,但是身為漁夫,他不得不遵循自然的倫理;他採用古老的漁獵方式,獵殺既是兄弟又是敵人的馬林魚和鯊魚群。就像一個敬重生命的平凡人,必須獵殺生命求得生存的意義,在象徵的層面上,聖第牙哥可以說體現了人類無可避免的悲劇。

外在的肉體可以接受折磨,內在的意志卻是神聖不可侵犯的,這是文本中一再強調的論點,從海明威的經歷我們可以了解,他受過戰火的一再洗禮,加上十歲就研讀達爾文的進化論,「弱肉強食」的概念一受影響著他的思考,「勇敢」這兩個字貫穿主軸。「每天都是新的一天,運氣好當然最好,但是我寧可做最好的準備,那麼當運氣來時,我已做好準備迎接它」,這是書中的一段,描述老人剛出海時的情景,由此可見海明威所倡導的勇敢,不是匹夫之勇,而是有智慧有方法的勇敢,所以當我們嫉妒別人運氣好時我們也應該捫心自問,「我已準備好了嗎?」長遠的成功必須根植於事先充份的準備與合理踏實的過程。

接下來想表述一下這部影片中的表現手法。對影片的表現手法來說,玻璃畫的技術,基本上是沒有很流行的。它的呈現手法繁複,要很快的完成一張油畫已經是難事,更何況要將其做成一秒就要24張畫格的動畫?這是一個需要極大的耐心才能做好的工作。Petrov就用了極大的耐心與時間,用手指在玻璃上,伊比一筆劃出美麗的圖畫與他堅持的理想。

影片中的表現方式也非常的特別。一開始就呈現了老人的「夢」。獅子、大象、羚羊活躍鮮明的形象,直定定的吸引了我的視線。有些同學覺得,畫面的感覺並沒有很流暢,看起來有點吃力。但我覺得那就是因為作者每個畫格都重新的繪製,因此難免有用色和光影上的差異;而這種差異更讓我想好好注意一秒鐘裡,24個畫格中,隱藏的小細節。可以在20分中的影片中,欣賞到兩萬九千幅畫,是一件多麼美妙的事情!

我尤其喜歡Petrov對水的表現方式。當老人划著槳時,如鏡面般平靜的海水產生細細的波紋;清透的水珠從船槳上滴落。這一切是多麼的安祥美好,彷彿透著一股淡淡的幸福感。而在老人與馬林魚爭鬥時,海洋的樣子卻又如此的熱情澎湃,深藍色的廣大中蘊含著無限的生命和希望。也許是因為我本身就喜歡藍色,對海洋和水的表現非常喜愛。希望Petrov以後還會有很動人的作品呈現。

關於《老人與海》關於彼得與狼

by 蔡竺均

關於《老人與海》

這是我第一次接觸到玻璃畫,很特別的是,導演利用他的手指以及油彩將他的構思靈活地畫在玻璃板上面。這部動畫作品給人的感覺是很朦朧的,也因為這樣的朦朧,讓人較不容易看清楚主角臉部的細微表情,可是這樣卻也營造出了另一種不真實感,但這不真實感卻有它獨特的奇幻風格;動畫中回憶與真實交替變換的手法搭配上玻璃畫,也更能感受到奇幻的唯美感受。
另外,利用油畫這個媒材,讓整部片的色彩都很飽滿而且豐富;也利用油畫層層疊疊的方式,讓動畫變得更加立體,人物也都鮮活了起來。玻璃畫在動畫上的流動線條的展現,也讓人驚艷,不管是波浪、水流、風吹時樹木的晃動還是光影的照射,都很真實的呈現出來,就像真實的事物正在流轉運動著。

關於彼得與狼

偶動畫是個很奇妙的製作方式。不僅背景要能呈現真實感,而且要使沒有生命的人偶能搭配劇情做出各式各樣的動作,著實有它一定的難度,就像其它動畫的呈現方式(不管是玻璃畫、3D、水彩繪圖等)一樣有困難度,也都要讓角色能在故事中活起來。動畫電影二十四格為一秒,所以每個人偶的手部、眼神等身體動作的細微部分都不能漏掉,必須非常的精細。

人偶的特質讓人覺得是可愛且能做較誇張的肢體動作,所以當這個童話故事的主角們,如:貓咪、鴨子、小鳥等,利用偶動畫的拍攝手法時,更加讓人物角色們更為討喜,情節也更讓人印象深刻。

老人與海和彼得與狼的比較

兩部動畫都是透過改編而成的,而動畫的詮釋的方法也不一樣。運用的手法也會依導演而不同。佩脫洛夫運用他擅長的玻璃畫完成了老人與海,而蘇西天普頓也以她擅長(或喜好)的偶動畫完成彼得與狼。不僅導演偏愛或擅長的手法可以在他們的作品中看見,也能在動畫中發現到他們的在作品中塑造的風格。如下表:

項目

亞歷山大‧佩脫洛夫

蘇西天普頓

擅長的手法

玻璃畫動畫

作品:母牛、狂人之夢、美人魚、初戀、老人與海等。

偶動畫

作品:史坦利、狗、彼得與狼。

風格

奇幻、浪漫的氛圍

沉重、陰暗的氛圍

雖然兩部是改編而成的,但是他們擷取原著的素材和方式並不相似,動畫的呈現方式也並不相同。老人與海所摘取情節部分是屬於較精華的地方,而至於一些較小細節的內容並沒有被擷取為情節的素材之一,如:老人的背景沒有說明、搏鬥中老人的手受傷等。而彼得與狼則是加入新的情節內容,同時也有改變主角原本的屬性。詮釋的方式和元素並不相同,老人與海將精華部分提煉出,而彼得與狼則是將情節鋪成的更為詳細,如下表:

老人與海

彼得與狼

原著的呈現方式

« 書籍:文字的書寫。

« 情節鋪成完整,描寫得較詳細,可以更了解深入的主角的想法和背景。同時也可細細體會作者所鋪成德內容以及想要表達的意涵。

« 樂曲演奏:簡單旁白搭配音樂的呈現方式。

« 純粹聽覺的享受,是利用聽音樂的方式讓小朋友能有趣的學習樂器。

都須靠自己的想像力想像整個情境,所以每個人心中的角色外表都不一樣,會隨著觀賞的人的喜好而變化。

動畫的呈現方式

« 改編之後的詮釋(擷取精華):擷取中間捕抓馬林魚精華的部分,可以更快了解到老人與海的意涵。

« 改編之後的詮釋(深入鋪成):主角的個性變得較為陰沉、以及加入一 些新的情節或者元素。情節方面也較詳細,能更較了解前因後果以及動畫導演想要表達的意涵。

主角的塑造、場景的佈置都完整的呈現在動畫之中,較不需要觀賞者本身的想像。同時都有視覺的享受、聽覺的享受。

參考資料:

2008金馬國際影片觀摩展http://tghff2008.pixnet.net/blog

動畫筆記本: http://chihmingchang.blogspot.com/2007/06/suzie-templeton-peter-and-wolf.html

《彼得與狼》觀影報告-原著的改編與詮釋

by 林慈鳶

壹、 《彼得與狼》的由來與改編發展

蘇俄作曲家塞吉 普羅高菲夫(Serge Prokofiev,1891-1953)為兒童譜寫的交響樂作品《彼得與狼》,1936年在莫斯科兒童劇場首演。作曲家善用各種樂器的音色來代表每個故事角色-雙簧管(搖擺的小鴨),長笛(靈巧的小鳥),單簧管(貪婪的小貓),法國號(可怕的大野狼),定音鼓(英勇的獵人),低音管(慈祥的老爺爺),活潑的弦樂合奏(勇敢的彼得),並配上旁白敘述故事。作品的目的在讓兒童聽眾能自然又快樂的,從故事中認識各種交響樂器。

《彼得與狼》的故事流傳至今,已被改編、轉化成多種媒介呈現。除了一般的古典音樂CD以外,筆者搜尋到的,還有芭蕾舞劇、真人與木偶共同演出的戲劇影片、動畫光碟、圖畫書(在台灣,至少有台英社,1993;臺灣麥克,1999;格林,2001;青林國際,2004,四家出版社出版)等。其中,動畫又出現有卡通動畫、折紙動畫、偶動畫等不同的媒材,筆者整理如下:

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【卡通動畫】:迪士尼,1946

資料來源:http://diary.blog.yam.com/pshouse/article/4064539

【折紙動畫】:福茂唱片代理,1996

折紙、導演:Zulal Anture-Scheele

攝影、動畫:Pierre Salvagnac

資料來源:東大圖書館館藏

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【偶動畫】:

Break Thru電影公司與se-ma-for工作室,2006

導演:Suzie Templeton

【卡通動畫】:齊威國際代理,2007

作者:Feuillas, Roland

資料來源:誠品網路書店

另外值得一提的是,台灣本土的樂團「蘇打綠」在今年(2009)推出的專輯「夏/狂熱」,也收錄一首名為「彼得與狼」的歌曲。由主唱吳青峰作詞作曲,歌詞內容雖大多在表現年輕世代的幻想和無厘頭的思想表白,但歌詞中仍可發現「彼得與狼」原著的影子,例如「你渴望成為哪吒 卻處處都害怕」、「月圓時候的狼嚎」等。無論這首歌的詞、曲與原著比較,所產生的差異、變形如何,至少可以看出,《彼得與狼》這個來自俄羅斯傳統的兒童音樂劇,已稍稍的滲入台灣年輕世代的流行文化中。這樣的發展,或許是原創Prokofiev以及廣大的古典樂迷都意想不到的。

貳、 《彼得與狼》音樂劇原著與改編版偶動畫的選材來源

在原著方面,由於資源有限,筆者無法取得1936年,Prokofiev在莫斯科兒童劇場首演的音樂劇版本,因此筆者選擇本校圖書館有館藏且可借閱得到的圖畫書《彼得與狼》(世界音樂童話繪本2,臺灣麥克出版,1999)所附的音樂CD。該CD的出版資訊中,顯示故事作者為Prokofiev,故事旁白請見附錄一。

改編版的選材,則是筆者購買的偶動畫《彼得與狼》,由Suzie Templeton導演,Break Thru電影公司與se-ma-for工作室製作,在台灣由南強國際代理發行的DVD動畫光碟。

參、 分析的問題及分析項目

本文比較《彼得與狼》原著音樂劇與改編版偶動畫兩者之間的差異,並從差異中發現改編版偶動畫的新意有哪些?最後總結創作者Suzie Templeton在尊重原著之下,如何運用動畫此一媒介來加強故事效果,形成自己作品的特色。

由於筆者個人對音樂素養的不足,因此只針對原著與改編版的「故事文本」進行探究。分析的項目包含故事的「作品命名」、「主題」、「表徵媒介」、「時空背景」、「出場人物」、「主角(彼得)的人物刻畫」、「情節」共七大項目。

下面的分析討論,兩個版本分別簡稱「原著」和「改編」。

肆、 原著與改編作品的比較

一、 作品命名

改編版偶動畫的作品名稱與原著完全相同,都是《Peter and the Wolf》(彼得與狼)。可見改編版作者Suzie Templeton對原創精神的尊重。

二、 主題

(一) 原著:聽辨不同樂器的音色;勇敢與機智。

(二) 改編:聽辨不同樂器的音色。另根據動畫DVD所附的影片簡介,導演Suzie Templeton自述,改編《彼得與狼》在「探索我們對野獸的恐懼和迷戀,目睹一個小男孩,發現他自己的力量和正直」。

(三) 改編的新意:原著與改編版的主題,同樣都在「彰顯主角彼得的內在力量和成長」,但改編版還希望引起觀者思考與討論另一較深層的問題-人類對待動物的矛盾態度。

三、 表徵媒介

(一)原著:音樂+旁白

原著的音樂劇是由音樂和旁白共構故事,且音樂是主要的媒介。雖然旁白已用連貫的前後文描述故事首、中、尾的情節發展,但文字簡要。因此,旁白沒有說出的,或說得不夠的-例如人物的情緒、場景的氛圍等,仍須由音樂來加強和補足。如此透過音樂來引導聽眾想像故事,可說是原著最迷人之處。

(二)改編:偶動畫+音樂+音效,無旁白

改編版的《彼得與狼》藉用偶動畫來呈現故事,動畫是主要的媒介,音樂則退居第二,並且完全不用旁白。當動畫卸除了對旁白的依賴,就必須大量的依靠視覺影像、鏡頭調度、肢體動作和劇情張力來說故事,這些都是提供觀眾想像的來源。

(三)改編的新意:

表徵媒介方面,改編版保留「音樂」此一媒介(都是Prokofiev作曲的音樂),唯原著的音樂劇主要用音樂在說故事,改編版的偶動畫中,則使音樂退居第二,扮演輔助動畫的角色,為動畫提昇場景的氛圍、強化角色的情緒變化、增加劇情的張力,甚至還有潤滑停格動作的功能。

四、 時空背景

(一) 原著:春天早晨,場景從彼得家→牧場→前往動物園的路上,一路向前進

時間方面,原著的旁白並沒有直接說明故事發生的年代或季節,只從「彼得想看看藍藍的天空,抱抱大樹,在牧場上奔跑」,以及音樂歡樂的氛圍,讓人聯想故事的時間可能是生氣盎昂然、充滿綠意、舒適的春天。旁白直接道出的是,故事由寧靜的早晨開始,直到野狼入侵、彼得補獲野狼、立刻與獵人聯合將野狼送進動物園,可見整個故事的發展在一天內就完成了。

有關空間的描述,原著的旁白只說明彼得的家鄰近牧場,牧場上可見藍藍的天空、大樹,牧場旁有石牆。

(二) 改編:嚴寒的冬天,場景從彼得家、原野(森林)、鎮上,三地之間來回轉換

動畫呈現大風雪、枯萎的樹木、結冰的湖水等,從這些大地蕭條的現象可判斷故事發生在嚴寒的冬天。

彼得的家在原野旁而不在鎮上,且與鎮上的街景、樓房相比,彼得家、家外的圍籬都破舊不堪、一補再補的狀況,都暗示彼得家庭經濟的貧困,以及社會階級地位較低的身份。

(三) 改編的新意:

改編與原著相同的是,彼得的家臨近主要場景-牧場/原野,使彼得想要玩耍和好奇的心情更加合理化,而牧場/原野旁都有石牆/圍籬,暗示野狼的威脅。不同的是,改編版動畫的場景有較大範圍的移動,且透過視覺畫面,使空間的變換非常分明,此點可說是動畫的優勢。

就時間、空間所營造的氛圍而言,原著的氣氛主要是歡愉的;改編版動畫則呈現嚴峻、刻苦的氛圍,間接塑造主角彼得的卑微形象,最後對比出彼得的成功和了不起的行為。

五、 出場人物

(一) 原著:

主角:彼得。

配角:鴨子、小鳥、貓、野狼、獵人、爺爺。

(二) 改編:

主角:彼得。

配角:鴨子、小鳥、貓、野狼、獵人、爺爺。

新增配角:街童、馬戲團宣傳人員。

新增背景人物:肉店老闆、皮革店老闆。

(三) 改編的新意:改編版的偶動畫,新增了街童、馬戲團宣傳人員、肉店老闆、皮革店老闆,雖然都只是戲份較少的配角和跑龍套的背景人物,但都各有作用。例如,街童對待彼得的態度從鄙視、排擠,到好奇、想接近的眼光,暗示彼得的成功和成長。馬戲宣傳人員、肉店老闆、皮革店老闆則代表人類社會對待動物的不同態度,並影響彼得在結局所做的重大決定。

六、 人物刻劃-主角彼得

(一) 原著:透過旁白的演釋,可聽出彼得的聲音稚嫰,因此判斷彼得是年紀還不是很大的兒童。又從輕快歡愉的音樂氛圍,聯想彼得的性格是活潑開朗、勇敢且積極樂觀的。

(二) 改編:從視覺畫面可知,彼得大約是中高年級兒童或青春期的少年,他的外表瘦弱,衣著破舊粗糙,走路垂頭喪氣,常常沈默不語且低頭往上瞄眼看人,這些都顯示彼得的社會經濟地位較低下。內在心理方面,則演出彼得忍受爺爺的禁令,在外受到委屈也悶不吭聲的壓抑、冷靜性格。

(三) 改編的新意:改編版對彼得的刻畫,幾乎有180度的大反差。原著的彼得開朗活潑,暗示彼得補捉大野狼一事,將是順理成章的勝利和歡樂。改編版動畫,則將彼得設計成弱小、自卑、毫不起眼的小人物,目的在對比最後彼得捉住大野狼的光榮,以及釋放大野狼的英雄作為。

七、 情節

筆者就情節的首、中、尾三段進行分析。基本上,原著與改編的分段方式相同,首段都是問題的拋出-從狼的威脅到狼出場;中段都是問題的解決-彼得用繩索補獲野狼;尾段則都是結局-劇中人物決定野狼的去處。分析如下:

情節

比 較

【首】

問題

拋出

狼的威脅

狼出場

原著

【用對話明示野狼的威脅】:

明示1:彼得很喜歡到牧場上玩,可是,爺爺老是說,「在牧場上會遇到壞心的大野狼」,所以不准小彼得出去。

明示2:爺爺對彼得私自到牧場感到非常生氣,說「…,牧場是個很危險的地方,萬一大野狼從森林裡跑出來,你該怎麼辦啊?」

【用旁白口述情節,暗示野狼的威脅】:

暗示1:引狼入室-旁白口述「鴨子、鳥在嘻鬧,引起貓的食慾」,暗示野狼的威脅即將到來。

改編

【用畫面情節暗示野狼的威脅】:

暗示1:爺爺在屋頂上舉槍掃視,大風雪中有野狼的呼聲。

暗示2:彼得家外有高高的圍籬,圍籬被重重的上鎖。

暗示3:彼得上街採買時,撞見獵人(獵人暗示補獵的行為)。

暗示4:引狼入室-先安排「鴨子、鳥在嘻鬧,引起貓的食慾」,暗示野狼的威脅即將到來。

暗示5:爺爺對彼得私自闖入森林趕到非常緊張、生氣,並強行拉彼得回家。

改編的新意

1. 改編版完全用暗示的手法,一步步引導狼的出場。暗示4、5與原著的情節相同,暗示1-3則是新增的情節。可見改編版動畫在不用旁白和對話的情況下,更用心的設計情節、畫面動作來暗示野狼的威脅。

2. 改編版暗示4、5的情節,雖然大致和原著相同,保留原著的情節架構,但改編的動畫更進一步透過肢體動作、鏡頭的切換來產生戲劇性的笑點,例如鴨子顧著看小鳥飛,不小心跌到冰湖上;貓追逐小鳥時撞破湖冰,起身時還表現高傲不屑的動作。

情節

比 較

【中】

問題

解決

彼得 用繩捕狼

原著

【彼得和小鳥合作捕狼,不向爺爺求救】-用旁白、對話直接描述

彼得口頭指示小鳥,小鳥靈活的在野狼頭上飛舞。

【捕狼方法的靈感來源】-用旁白、對話直接描述:

彼得在首段曾回答爺爺:「我才不怕大野狼呢!」先暗示彼得的勇敢,中段則直接點明,彼得靠自己想出用繩索抓狼的辦法。

改編

【彼得和小鳥合作捕狼,不向爺爺求救】-畫面演出:

彼得用手勢向小鳥暗示,小鳥慌張的逗引野狼。

【捕狼方法的靈感來源】-用情節暗示:

團長送汽球給彼得→小鳥因為想飛而套住汽球的拉繩→彼得用繩索套住小鳥,拉升至樹梢。這些連續的事件加深了彼得的印象,使彼得從中得到啟發,想出用繩索圈套野狼的方法。

改編的新意

原著與改編相同的地方,在彼得同樣用繩索圈套野狼,也同樣和小鳥合作,且不找爺爺幫忙,突顯彼得的獨立自主和成長。同中有異的是:

1. 改編版透過鏡頭切換、肢體動作等視覺效果,演出小鳥與狼、彼得與狼對峙的驚險過程,如此提升問題的困難度並製造高潮點。

2. 改編版用情節暗示彼得將用繩索捕狼,使彼得的成功更合理化。

【尾】

結局

決定狼的去處

原著

【彼得的智勇作為-成功捕狼並將野狼送到動物園】

1. 彼得、小鳥、貓、爺爺和獵人,全體合作並營造彼得勝利的光榮。

2. 爺爺:「真是驚險啊!萬一小彼得沒有抓到野狼,那該怎麼辦?」

以上都用人類的觀點描述,人類是萬物之靈,有權決定野狼的生命。

【結局的啟示】

1. 彼得做了大人做不到的事-捕狼,象徵彼得的智勇和成長。

2. 最後全體合力將野狼送至動物園,既可以保住野狼性命,又可避免人類再受威脅,就人類社會而言,這是較有益的做法,就兒童文學來說,也是一種完美的結局。

3. 但野狼將因此失去自由,在現代進步的社會觀之下,將引起爭議。

改編

【彼得是真英雄-成功捕狼,最後又決定釋放野狼】

1. 彼得、小鳥、貓和爺爺合力送野狼到鎮上,彼得享受勝利的光榮。

2. 獵人欺負被囚困的野狼、爺爺跟人討價還價、肉店老闆和皮革店老闆露出的貪心面孔,揭露人類醜陋的一面,激發彼得關懷野狼。

【結局的啟示】

1. 彼得做了第二件大人做不到的事-釋放野狼,是更不容易的決定,也使結局產生大大的顛覆。

2. 釋放野狼後,不一定能解決人類受威脅的問題。

改編的新意

【野狼的下場】

改編版的動畫,先在首段呈現鎮上有馬戲團、肉店、皮革店等,都暗示彼得選擇野狼的去處有哪些,最後安排受傷的小鳥突然能大力飛翔(原來套住小鳥的汽球拉繩則留在車頂上),也影響彼得釋放野狼的決定,以上這些都是原著沒有的。

改編版暗示彼得的做法和野狼的下場將有以下幾種:

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(觀點) (做法) (結果)

【彼得的成長】

改編版動畫中,彼得表現最偉大的情操-釋放野狼,和原著相較,改編版的彼得才是「真英雄」。

伍、 小結

一、 善用動畫的視覺優勢,加強故事效果

原著主要用音樂說故事,留下許多想像的空間。改編版動畫則善用視覺的優勢(包含具象的畫面及巧妙的鏡頭調度),來演出人物的動作表情、場景氛圍等,以增強戲劇性的效果。

二、 強化情節的舖陳,使結果合理化

由於沒有旁白和對話的文字說明,動畫只靠動作和配樂的演出,使情節進展下去。也因此,導演精心安排了許多有暗示作用的事件,使觀眾自然覺得後果是合理的。從前因後果的巧妙安排,可看出導演舖陳情節的用心和高竿之處。

三、 結果大逆轉,提昇主題的意涵和層次

改編版的動畫演出「真英雄」的做法-釋放野狼,使故事的意涵、啟發的層次都向上提昇。

附錄一:《彼得與狼》音樂劇旁白

錄自臺灣麥克(1999)出版「世界音樂童話繪本2」《彼得與狼》所附音樂CD

在牧場上附近,住著一位叫作彼得的小男孩。彼得很喜歡到牧場上玩,可是,爺爺老是說,在牧場上會遇到壞心的大野狼,所以不准小彼得出去。彼得待在家裡,覺得好無聊哦,他好想看看藍藍的天空,抱抱大樹,在牧場上奔跑,他還想去看看他的好朋友,那隻可愛的小鳥。

今天早上,太陽起得真早,小彼得悄悄的打開門,趁著爺爺還在睡覺的時候,偷偷得溜到寬廣的牧場上玩。「噓,小聲點,不要把爺爺和大胖鴨吵醒了」彼得躡手躡腳的走出屋子,輕輕的推開木門,一步步的往牧場上走去,彼得的小鳥朋友老遠的就看到彼得了。

「彼得,早安,你聽,好寧靜的早晨呢」(小鳥說)

「是啊,今天的天氣真好。」(彼得說)

彼得正覺得高興的時候,沒想到,後面竟然多了一個跟屁蟲。哦~原來彼得忘了關上大門,大胖鴨趁機跟了出來。

「我也要去牧場上,我要到池塘裡去游個痛快!」(大胖鴨說)

唉,大胖鴨還真吵呢,看著他那神氣的模樣,小鳥立刻飛下樹枝,從他的頭上咻一聲的飛過,然後停在另一根樹枝上,斜眼瞪著牠。

「欸,你這隻大胖鳥,怎麼不會飛呀」(小鳥說)

「咦,你又是什麼鳥,連游泳都不會,真是笨透了」(大胖鴨說)

大胖鴨這麼不服氣的回了小鳥一句,然後噗通一聲,示威似的跳進池塘中,他還從池堂中伸出頭來,對小鳥吐了一臉的水。

「可惡,臭胖鳥」(小鳥說)

大胖鴨在搖著他那又胖又翹的鴨屁股,嘰笑著小鳥。接下來,他們兩個便開始你來我往的吱吱呱呱的吵個不停。

「唉,這下子我可不得安寧了」(彼得說)

突然,草叢中傳來一陣唏唏蘇蘇的聲音。彼得回頭一看,原來是一隻貓,他正用一雙銳利又飢渴的眼神,朝著他們一步一步的走來。

「多可愛的小鳥啊」。貓一邊走,一邊想著,「你們慢慢的吵吧,我正好可以準備我的早餐,人家說,早起的鳥兒有蟲吃。而我呢,哼哼,是早起的貓兒有鳥吃。」貓一邊想著,一邊悄悄的向小鳥爬過來。

彼得發現了大叫著,「小心喔!」彼得這麼一叫,小鳥嚇得衝上枝頭,大胖鴨也嚇了一大跳,轉頭對這隻又醜又沒禮貌的不速之客大叫「呱!呱!,你幹嘛這麼兇啊」。

貓繞著樹幹打轉,遠遠的打量著大胖鴨、彼得和樹上的小鳥,心裡想著「哼,要爬上去嘛,等我爬到那兒,小鳥恐怕又要飛走了」。貓不甘心的舔著嘴邊的口水。

就在這個時候,老爺爺來了,他正在為彼得一個人跑到牧場上玩,非常生氣。「你怎麼這麼不聽話呢,不是告訴過你,牧場是個很危險的地方,萬一大野狼從森林裡跑出來,你該怎麼辦啊?」

「我才不怕大野狼呢!」(彼得說)

彼得根本沒有把爺爺的話放在心上,但是老爺爺還是抓著彼得的手,硬是把他帶回家,一路上還嘮叨個不停。

彼得剛離開牧場後不久,一隻大灰狼從森林中跑出來。貓看見了狼,趕緊爬上樹,大胖鴨子呱呱的尖叫著,慌慌張張的跳出了池塘。

「呀,這笨拙的鴨子,你跑不掉的」。大胖鴨實在是太胖了,不管他怎麼努力,還是搖搖擺擺的跑不快,大野狼一下子就追上他,一口就把他吃掉了。

「好吃,好吃,真好吃。」(大野狼說)

唉,一個美麗的早晨,就這樣被大野狼破壞掉了,現在到處充滿著一股緊張的氣氛。看著大胖鴨被野狼吃掉,貓和小鳥都嚇壞了。貓坐在一根樹幹上,小鳥停在另一邊的樹枝,大野狼還在樹下繞著圈子,以貪婪的眼光看著貓和小鳥。

彼得在庭院緊閉的門後,目睹了這一切事情的發生,我得趕緊想法子,救救貓和小鳥。彼得跑進屋子,拿了一條結實的粗繩子,爬上了高高的石牆。小鳥停著的那棵大樹,樹枝都伸到了石牆邊上,所以彼得只要用力一跳,然後再用力一晃,就可以抓住樹枝,然後爬到小鳥身旁了。

「小鳥,你快飛下去,繞著大野狼的頭,團團轉,可是要小心哦,千萬別讓他抓著了。」(彼得說)

「也好,我差一點就被貓吃掉了,我寧願去跟野狼玩捉迷藏,也不要在這兒等著被貓吃」於是鳥兒飛到野狼的頭上,一邊繞著圈圈,一邊還頑皮的叫著,「來抓我啊,來抓我啊」。

大野狼看到不怕死的小鳥,立刻伸長爪子想要抓他,可是小鳥太靈活了,要管大野狼怎麼撲,怎麼跳,就是拿他一點辦法也沒有,氣得牙癢癢的,這個時候,彼得做了一個活套,輕輕的從樹上放下,一下子套住了野狼的尾巴,再咻的往上一拉,大野狼就這樣被栓住了,等大野狼發了了之後,他奔命的想逃,可是他愈用力扯尾巴,繩子就拉得愈緊。

「啊,唉唷,放我回家,我再也不敢來牧場搗蛋了。」(大野狼說)

彼得不理會大野狼的哀求,早已把繩子的另一端牢牢的綁在樹幹上,就在這個時候,一群獵人從森林中出來,他們手裡拿著獵槍,追蹤著狼的腳印,當他們看見狼的時候,趕緊舉起槍來準備射擊。

「欸,別射別射,我和小鳥已經捉到大野狼了,請幫我們把他送到動物園去吧。」獵人們驚訝的望著樹上的彼得,都高興得為他歡呼。然後,他們立刻往動物園前進,彼得和小鳥得意洋洋的走在前頭,獵人們拉著大野狼跟在後面,老爺爺和貓也光榮的跟上隊舞,在這隻隊舞中,最高興的是小鳥,他不停的在隊舞上空飛舞著。

「大家快來看啊,我們多勇敢啊,快來看,我和彼得抓到大野狼了」。

小鳥得意洋洋,老爺爺卻邊走邊嘀咕著「唉呀,真是驚險啊,如果小彼得沒有抓到大野狼,那還得了啊。」

他們一路走著走著,還聽見一種怪怪的聲音,你知道那是什麼聲音嗎?仔細聽,喔,原來是大胖鴨在大野狼的肚子裡呱呱大叫呢,因為大野狼太心急了,嚼也沒嚼,就把大胖鴨整個活生生的吞了下去,哈哈,現在大野狼不但心情不好,連肚子也不舒服呢。

《Peter & the wolf》短評

by 賴孟葶

《Peter & the wolf》是2008年奧斯卡金像獎最佳動畫短片,以偶動畫的方式呈現普羅高菲夫的交響童話樂曲。在此片中,蘇西天普頓保留原曲的風味,新增人物角色、改變人物的個性和故事結局。既可說是承襲普羅高菲夫的童話,亦可說是全新的故事結構。

一、打破影像藩籬,適宜任何場域

樂曲本無場域的限制、語言的隔閡,無論在何時何地皆適合演奏。影像則容易受限於場地和語言,觀眾群自然有所區別。《Peter & the wolf》此部偶動畫卻打破了影像帶來的藩籬,全片不用台詞,僅以聲音搭配影像的方式呈現,除了減少配音成本和時間外,更重要的是讓此片適合在各地播放,也適合全家共賞。

二、集動畫與實拍電影的優點於一身

偶動畫中最精緻的莫過於場景的搭建和角色的塑造。場景的真實感讓觀眾彷彿置身於實景;角色的塑造細緻精密,無論是老人臉上的鬍鬚、動物身上的皮毛、或是衣服的縐褶紋路,細膩的工法呈現出具體的物象,讓動畫不僅具有實拍電影的效果,更達到實拍電影所沒有的特殊效果。

三、眼神是重要的表達工具

由於本片沒有任何對白,所有的情感都必須依靠動作、眼神來表達,因此角色的眼神顯得格外重要。偶動畫雖然無法眨眼,如實體眼球般的圓滾滾的眼睛,卻訴說著相當豐富的情感。特別是彼得和豺狼的對峙眼神,可以感受到彼得的憤怒,以及豺狼的戒慎恐懼。動畫可以將眼睛在臉部的比例放大,而不讓觀眾覺得奇怪,因此動畫比實拍電影更適合利用眼睛說故事,並為觀眾所接受。

四、人物改編使情節更具緊湊

在人物個性方面,蘇西天普頓將普羅高菲夫原設定的角色個性作了極大的改變。例如彼得原本是活潑有朝氣的小男孩,在片中卻成了內向陰沉的個性;獵人原是英勇善戰的形象,在片中卻是地方惡霸,流裡流氣。會有如此大的差異,除了是作者年代的不同,導致價值觀的迥異外,故事性的吸引力和流暢性也是一大原因。原著的故事除了豺狼是壞人的角色外,其餘皆是正向角色,因此很容易推論出結局一定是正向結果。反觀動畫中的角色,因為個性較不鮮明,因此觀眾無法立刻抓住故事的脈落,也為結局做了很好的鋪陳。再者原著花不到一星期就完成,且是以認識樂器為基調,故事結構難免鬆散;動畫則增加角色,讓故事結構更流暢完整,鋪陳更多線索讓觀眾去選擇。

五、結局不同展現自我的意識形態

在本片結局中,彼得出乎意料的將豺狼放生,這和原著的結局相反。普羅高菲夫於1963年創作此交響樂曲,原意是希望透過可愛的故事讓孩童認識各種樂器的聲音。在當時的年代,家長和孩童能認可的結局是美好的,壞人終有報應。而蘇西天普頓於2006年完成此片,這時的社會觀念已趨向多元化和包容性,不再以是非對錯做為單一選擇。因此大膽的將結局改變,或許是順應潮流、或許是展現個性。但值得探討的是,解決豺狼若能夠消除心頭之恨,卻也喚不回如好友般的鴨子,更會打破大自然的食物鏈,破壞大自然規律的生存法則。因此,豺狼的放生說明了人與大自然的共存共容的關係,只要不硬闖那道門,和平共處不會是難事。

六、隱含喻意富有教育性

本片的教育性意味十足,雖然故事基調灰暗陰沉,但不會讓觀眾有負面的情緒產生,反而會讓觀眾思考,以現在保育的觀念而言,豺狼的放生究竟是對還是錯?而人與大自然究竟該如何共處?是該趕盡殺絕?還是人類選擇遷徙,還給大自然原本的空間呢?在受到天災危害後的我們,更應該重視人與自然的和平關係。或許豺狼的放生只是一個象徵,重要的保育工作才是不容忽視、刻不容緩的行動。

《老人與海》與《彼得與狼》與觀影報告

by 徐寶惠

原著文本與動畫文本

這兩星期觀看了《老人與海》與《彼得與狼》,原著文本與動畫文本的關係,似乎在於是否忠於原著,我想就如同圖畫書我們會探討圖文關係一般;對於此類有原著的改編動畫文本,應該也必須要去探討他們之中原著與改編動畫的關係。在探討圖畫書圖文的關係中,有「互證」、「互釋」、「互補」與「互斥」,我懷疑這些動畫是否也有類似的關係。

常有人會認為電影的改編遠比不上原書的敘述和完整性,分鏡之間跳的太快,無法真切的表現出原著文本的完整性和細節的重點;或者是無法連接上劇情,帶著許多的不瞭解。個人認為這是不得已的,因為載體的不同,很多在原著文本裡面的敘述,在影像文本裡面會轉化成為畫面;稍縱即逝的觀者若不注意就消失了,除非很努力的特別去研究影像文本,否則導演的每一很可能在一瞬間就結束,不易被發覺而導致誤解。

《老人與海》

濃縮擷取精華的改編

就個人觀點看來,《老人與海》玻璃畫動畫,把原著文本很多的敘述,用圖畫來表現,並不明確的說明,而待讀者去發現,這是圖像的優勢但也是劣勢。在此動畫文本之中卻可能是必要,因為僅二十分鐘左右的動畫短片,不能像之前所拍的《老人與海》電影(約八十五分鐘)將許多重要的字句詮釋直接放入其中作為台詞,載體的不同對於改編文本有一定的影響;但我認為不僅僅是媒介的相異可能影響改編文本,在比較動畫與電影時,導演也是很重要的因素,動畫亦可以拍成動畫長片;時間與金錢若願意都該是可以克服的。

所以為何選擇吃力不討好的濃縮,也不以定格的方式(像是一般卡通連載動畫會有停格,重複使用同一畫面的情況)呢?明明原著文本裡面老人和魚的搏鬥持續了非常久的時間,即使畫面近乎凝結的讓觀眾等待,也是毫不奇怪的。或許是製作者的一種堅持?我在看這部片子的時候覺得喘不過氣來,為美麗的光影畫面,也為情節緊湊的變換感到壓迫,沒有像看原書的時候擁有較多喘息的空間;好像被追趕著,無從讓思緒沉澱。

可是假如沒有選擇這樣的緊湊與濃縮,或許又會覺得無聊與冗長。

寫實中的非寫實

話語減少了,雖然實際上的畫面只是老人、小孩、屋子、大魚、船與海天;我們可以看到他的回憶,非洲的獅子、在碼頭和人比腕力、與馬林魚在海中游水;在動畫之中,畫面是廣闊多元的。或許少了些想像的自由。作者說他認為老人希望順著繩索游向海和天,他希望營造出那樣的感覺。姑且不論是否真的達到了使觀者認同的程度,我認為導演的想法和手法真的會大大的影響出來的作品。在這樣的效果下,我認為玻璃畫是最適宜製作《老人與海》的,其中的光影,投射在老人的臉上和海底的魚身上,有給我「海」與「天」才是其中的主角的感覺;天與海、自然與人,當鏡頭拉遠時一切都是混雜而合一的藍色,船和老人消失不見了,都很平靜的找不出波瀾的那時刻,有異樣的感動。

《彼得與狼》

七十年後顛覆的新概念

《彼得與狼》或許是世界上最為人所知的兒童音樂,所謂的交響童話樂曲。當初只有音樂和簡單的旁白。經過七十年間許多人的再創作和詮釋等等,這首樂曲在世界各地都被廣泛的應用著,不管是書本藝術作品還是音樂教育部份,似乎因為其文本的性質較為特殊,所以擁有更多的詮釋方式及填補的空隙?或者是因為其蘊含的讀者是針對小孩子,因而使廣大的群眾們喜好去改編它來達成某些目的?也許這必須要再做更深入的探討才能夠找到可能的解答。

導演蘇西天普頓在本片當中做了許多的顛覆,在比較普羅高菲夫的版本即可窺一二,音樂是終於原著,故事的基本架構也存在著,但是像是場景和角色的設定等等,都可以看出原本的故事被複雜化了。或許應該說,原作者的音樂可以蘊含的東西被加入,但是原作者的旁白被改變甚而擴充,加了音樂開始之前的畫面,角色的性格改變,鴨子和鳥也有了個性;因此不只是表現手法上面的改變,更述說著不同時代來對於這一文本的詮釋,背後所隱藏的價值觀的變遷可能。

偶動畫登場,五年導一戲

使我最為感動的不只是影片本身,我認為《彼得與狼》的音樂文本本身是跨語言了無障礙的存在;而改編出來的《彼得與狼》的偶動畫更是;原著文本的空隙越大,讀者可以說的話語參與似乎就越多。在《彼得與狼》偶動畫裡面,是沒有語言的,她讓畫面說話,讓音樂說話,自己好像無聲,給予觀者很大的空間,思考;也許就像老師所說的,似乎是回到動畫本質最原初的東西,只單純用音樂和動作來表現。有被音樂與動畫的連結所感動,貓的走步的動作對著音樂的拍點上之類很密切的連結;最最感動的是蘇西天普頓在幕後花絮裡頭說的,有人問她這部動畫對於她的意義是什麼,她回答時認真的思考:「這是我這五年生活中的所有一切。」,能夠如此專注的「力」,不只有感動的迴響。

總結

改編動畫與原著有著極複雜的關係,不論是存在於歷史脈絡上的不同,還是所處載體差別,但是之間的關係是無法切斷,卻也不應當只注重之間的關係的。我認為即使是改編,它也是一獨立的文本存在,就像作者完成作品後,作品和作者的關係並不全然;讀者和往後的世界有詮釋他的自由,改編後再創作的文本也有本身的意義,不倚賴原著所存在。

「不一樣的技術,有不一樣的處理難度」老師如是說,在觀影之後,多半的動畫片是第一次觀看,我期待自己在每一次的再觀看中可以找出新的想法。改編因為有依據所以有一些限制,限制的本身有著多重的面向,只是要如何去界定和轉化,保留與創新之間。我想動畫文本可以表現出他載體的特色,腳本的適合與否,改編的適切與否,沒有絕對的答案。

這篇報告也只是針對觀賞這兩部動畫後少許的感想,邊打字就必須不停的整理心中的想法成為文字;更多的想法待之後蒐集資料全再於期末提出,期待把自我的想法放在眾多論述當中,待大眾的彼此激盪。

《Peter & the wolf》觀影與報告

by 董惠芳

看完《Peter & the wolf》,筆者發現其中不同角色的處境變化、情緒轉折之間,產生了許多相互對應的趣味,因此將觀察劇中角色的心得分為以下四個部分來討論:

一、保護與限制:爺爺和彼得的相處模式,與馬戲團團主對待動物的情境對照。

二、獵者與被獵者:貓覬覦小鳥,鴨子被野狼吃掉,獵人追捕野狼,彼得與野狼對抗。貓、野狼、獵人是劇中較具侵略性的獵殺者,那麼與野狼對立的彼得,立場跟他們有什麼不同?

三、囚禁與釋放:從彼得釋放野狼的舉動,試解讀彼得的心情轉折。

四、小鴨子死後:小鴨子被狼吃掉了!至劇終都沒有活過來。推測劇情如此安排的用意為何?

一、保護與限制

故事在暴風雪中展開,爺爺拿著槍對著森林的方向,銳利的眼神,似乎正小心提防著什麼,接著,是爺爺在風雪中修理房子的畫面。另一邊,屋子理的彼得彼得看著這一切,眼神卻沒有一點焦急、擔憂或是露出想幫忙表情,取而代之的是冷漠,最後甚至閉上眼不看。從這短短的幾十秒,可看出彼得與爺爺間的關係:爺爺即使年老,卻仍是個剛強的形象,而且充滿了身為長輩的使命;所有的危險與困難都自己來,將幼小者安排在安全的地方。爺爺的舉動,很自然的把彼得排除於危險之外,名為「保護」,卻同時給了他限制;限制彼得的行動,也限制了彼得展現自我的機會。

接著,是彼得想辦法開鎖的畫面,由此可知爺爺為了保護彼得的安全,用了非常強硬的方式,與之後出現的馬戲團團長對待動物們的景況十分相似。另外,爺爺要彼得上城裡購物時,給了籃子,又順勢推了他一下,此舉除了代表催促,可能也暗示了爺爺情非得已的決定——在「不得不」的狀況之下,才讓彼得離開他的保護,獨自面對外在環境可能存在的危險。彼得在爺爺的權威之下,只能服從命令,等著被安排;就像馬戲團裡的動物,被嚴格的對待與囚禁,只在上場時有片刻的行動自由,但這短暫的自由也是為了獲得觀眾喝采,替馬戲團團主賺取報酬。

二、獵者與被獵者

貓想吃小鳥,野狼想抓貓、想抓小鳥、也想抓小鴨子,這是大自然中食物鏈的法則,單純為了飽食。獵人追捕野狼,食用可能只是其中一部份原因,但更大的企圖是為了野狼身上更有價值的毛皮,這是與食物鏈關係相較之下,更進深一層的貪求。動物(貓和野狼)為了食物,而成為獵者,表現出了貪吃的慾望;獵人為了更多的獲利成為獵者,有武器做為工具,頗有咄咄逼人、趕盡殺絕的暴力;與貓和野狼相比,是更加強勢且具侵略性的存在。

鴨子是彼得的朋友,善解人意、予人溫暖,卻葬身在野狼的肚子裡。彼得所遭受的打擊成了憤怒,憤怒讓彼得在危急的狀況下產生勇氣。在彼得與野狼的對峙中,雖然此時的彼得目露凶光,展現出勇氣和果決的判斷,他想制伏野狼,更甚至殺了野狼,除了保命之外,也為了消彌自己心中的不平——在此彼得成了獵者的角色,彼得為何而「獵」?一是自救,另一是情緒上的發洩。

三、囚禁與釋放

彼得被爺爺保護著,從另一個角度來看,保護是一種囚禁;彼得身穿厚外套和毛手套,衣物保護他不受風寒,卻也同時限制了他行動上的自由。彼得身為一個孩子,這些都是他必然受到的對待,是保護也是牽制。

彼得遵從爺爺的指示進城購物,遇上城裡的孩子,彼得感到自卑、不敢靠近,這是彼得被自己的身份囚禁。馬戲團團主給了彼得一個天藍色氣球,天藍色和氣球所傳達的意象,讓人聯想到自由。但後來,彼得卻被獵人欺負,連人帶氣球一起被關進了垃圾箱,這是外在環境的暴力所加諸於彼得的囚禁。

彼得回家,傷心的掉眼淚,小鴨子的安慰釋放了彼得的委屈。小鳥翅膀受了傷,卻仍舊想飛,搶走彼得手中的氣球;小鳥的表現是積極的,牠極力想克服傷口帶來的限制,想盡辦法飛。彼得為了幫助小鳥,偷鑰匙開門鎖,推開門的剎那,給了小鳥希望,同時彼得的心境似乎也更開闊了些。在幫助小鳥飛翔的過程中,許多經驗都是彼得難得的嘗試,他內心的限制也一點一點的被釋放。看見貓跌進湖裡,滑稽的樣子讓彼得露出了笑容。彼得和鴨子在湖面上玩耍,氣氛愉快和樂,直至爺爺出現,將彼得帶回屋裡。

之後,彼得從門洞中,看見了野狼出現,虎視眈眈的對著貓和小鴨子,他看見貓驚險的脫逃,想幫助鴨子時,卻眼睜睜看著野狼一口將牠吞進肚子裡。這是彼得在片刻的自由之後所經歷的苦果。

四、小鴨子死後

彼得的好朋友——鴨子被野狼吞下肚之後,彼得的神情由震驚、難過,轉變為憤怒,對野狼露出仇視的眼神。脫下限制行動的毛手套,背著網子再度離家,企圖獵捕野狼。

這次彼得成為獵者的身份,運用謀略(先藉著圍牆爬到樹上)與機智(在野狼衝向自己之時,將網子拋向牠)來對付野狼。彼得受了傷,也成功的制伏野狼。此時真正欲置野狼於死地的獵人出現,槍響引出了爺爺,爺爺欲對野狼開槍,卻被彼得阻止。鴨子的死,雖然激起了彼得對野狼的恨,但是並沒有強勢到欲置野狼於死地的地步。

故事最後,爺爺和彼得將被捕的野狼運往城裡,彼得坐在獸籠上方,高高在上的俯視其他孩子,顯示出彼得與其他孩子之間位置的轉換,進城的心情也大大不同,彼得展示野狼,得意的笑容大大提升了彼得在孩童中的地位。此時,彼得環顧四周,視線從肉店、打獵用具到馬戲團,最後落在獸籠裡,與野狼倨傲的神情對望。獵人出現,對著被囚的野狼露出猙獰的面貌,這在彼得眼中看來,或許是不夠公平且不正直的作為,於是撥下獸籠頂上的捕獸網,網住了獵人。

小鳥在空中盤旋,小鳥自由的飛翔、被囚的野狼與被網住的獵人均成了強烈的對比。彼得一面注意正與商家討價還價的爺爺,一面悄悄的將獸籠打開,釋放了野狼。

小鴨子的死,讓彼得從一個逆來順受、被限制的形象,轉變為勇敢機智,這是好朋友小鴨子的死帶給彼得的影響。小鴨子被吃是彼得轉變的關鍵,若非如此,則彼得不會有獨自對抗野狼,並且阻止爺爺獵殺野狼的舉動出現。

小鴨子是小鳥與彼得追求自由之下的犧牲,彼得為了幫助小鳥而偷偷離家,也順手帶了鴨子,爺爺為了保護彼得,強行將他帶回,但彼得卻無力保護鴨子,使得鴨子成為狼的食物。鴨子的死改變了彼得面對身處環境的態度,也改變了彼得面對爺爺的態度。

彼得仇視狼的行為,同樣也仇視獵人的侵略;彼得抗拒爺爺的擺佈,同時也不接受動物為馬戲團工作;彼得沒有讓自己成為一個貪婪的獵者,他對鴨子的死釋懷,放了狼,同時也釋放了自己。

《惡童當街》觀影報告

by 徐雨青

一、關於漫畫和動畫:

老實說,如果完全沒有任何推薦,只是單純的在漫畫店中見到《惡童當街》的漫畫,一定不會想把它好好看完。因為畫風不是一般女生會喜歡的偶像系畫法,題材也不是一般人有興趣的愛情、運動、推理、飲食等。真的不是部討喜的漫畫啊!

但它的動畫改編真的很成功,尤其是開場的部分。一部戲的開場其實是很重要的,在短時間內,要點出整部片的重點,介紹主角出場。《惡童當街》的導演和編劇有好好把握住這個很重要的部分。把漫畫中稍嫌零亂的開場,重新詮釋,給了整部動畫一個新的生命,新的開始!讓觀眾在一開始就被小白和小黑對於黑暗和光亮的詮釋吸引,深深的跌入虛幻和現實交錯的寶町城世界。

二、小黑和小白的兄弟情:

特地指出兩人的兄弟情,是因為當我在看片子時,其實一直分心想到自己和妹妹。尤其是那段小白和警員出遊時,他對照顧他的警員說,自己和小黑都是被做壞的作品,但是小黑缺少的部分小白都有;而小白缺少的部分,則在小黑身上。「互補」好像是很多兄弟或姊妹的寫照,記得小時候曾有幼稚園老師這樣形容我和妹妹,她說:「你們兩個人加起來除以二就剛剛好了。」對啊,自己和妹妹也像小黑、小白一樣,具有互補的個性,這樣的個性讓我們兩個很愛對方,卻也從小吵到大。

看著小黑和小白那樣相互照顧、相互倚賴,很深刻的寫出手足之情的可貴,也會不知不覺的對照起自己和妹妹在成長過程中的點點滴滴。小時候,小我兩歲的妹妹是如何像個跟屁蟲似的跟著我一起去上學,一起出去玩。但漸漸的,照顧者和被照顧者的角色互換,生活嚴謹且快手快腳的妹妹開始替總是漫不經心的我收拾善後。很多人會覺得那麼優秀又漂亮的妹妹,還會尊重我這個姊姊嗎?手足的關係真的很奇妙,很多事情也沒辦法只是看表面,就像是小黑一樣,表面上好像是他在保護小白,他是強勢的一方,但事實上搞不好他需要小白的程度比小白需要他的程度多更多呢!

三、Plaid 和電子樂

電子樂向來不是我喜歡的音樂類型,尤其是舞曲。但《惡童當街》的主題曲及電子樂配樂卻很吸引平常不聽電子樂的我。在反覆聽了多次的主題曲及網路上可以找到的配樂資料,發現配樂師Plaid的電子樂有個特色,就是他的音樂比一般的電子樂具有旋律性。對於平常以聽流行樂為主的一般人而言,這樣的音樂的確是比較容易入耳的。

很多電子樂聽起來都有很重的金屬感,不然就是一直重複某個節奏或樂句,但Plaid在《惡童當街》中的配樂,卻剛好搭配劇中寶町後現代的感覺。另外還有些追逐及打鬥的場面,搭配電子樂更是合適。有機會一定要好好聽聽「This City」和主題曲「Asian Kung-fu Generation」喔!

《茉莉人生》觀影報告

by 徐雨青

《茉莉人生》得了好多獎,這是我對這部片的第一個認知,在還沒看片子之前,刻意不去找這部片子的任何資料,想用第一印象去看這部片子為什麼會得這麼多獎呢?

「聽說這部片很好睡,睡飽一點再來看喔!」

「對啊!而且這部片是黑白片耶,真的要坐窗邊會好一點。」

同學們互相打趣間又間接聽說了這些訊息,在暗燈之前,我做好了可能會睡著的心理準備……

片子剛開始時讓人有點摸不著頭緒,這個女人到底在機場要做什麼呢?是要出國?又沒見到行李。是要接人?卻完全沒有期待的喜悅。送完人心情不好嗎?感覺又不像。後來開始進入回憶,還是不太知道一開始的那段機場戲到底是在演什麼。但就算如此,在看完整部片子後,完全沒有睡意的我,反而有很多的念頭在腦中閃過。

這是我第一次真正的接觸到伊朗人的生活,雖然是透過動畫,但因為它是傳記電影很寫實,會覺得自己真的被導演說動了!在此之前對於伊朗這個國家的認識都是來自教科書和電視新聞,總覺得這樣好戰,連飯都沒得吃還要打來打去的民族,真是世界禍亂的根源啊!乾脆別理他們,就讓他們打到滅族好了!對於共產主義更因為從小教育的刻意灌輸,覺得支持共產主義的人都不喜歡自由,共產國家都沒有自由可言。

但是茉莉人生這部動畫告訴我,這些都錯了,而且錯的很離譜。瑪琪從現實的例子,現實的生活中告訴我這些刻意被灌輸的意識形態,對伊朗人來說有多麼不公平,而實際上一般的伊朗人想追求的,也和全世界的人類沒什麼不同啊!這部片的黑白代表了說不盡的無奈,而彩色則代表了些許的期待。機場是個轉運站,它招呼來自各地的人,也送走來自各地的人。瑪琪在機場看盡了人生百態,但她還在等待有朝一日自己的祖國伊朗成為一個能接納她的國家,有朝一日她能回去那個不完美但畢竟是自己的家的地方。

從漫畫改編成動畫,《茉莉人生》的動畫重點式的抓了幾個劇情,用很生活化的方式讓觀眾進入瑪琪的世界。那個正在轉換、改革的年代,那個充滿衝突、矛盾和恐懼的城市。在異國的思鄉情懷,對民族、國家的認同感。親情、生活、成長、戀愛、結婚……等。因為枝節都被簡化了,所以整個故事的重心很明確,很容易明白作者想要傳達的意念。加上主角瑪琪一家人個性都很鮮明,雖然整個片子中出現許多人物,卻沒有蓋掉她們一家人,甚至是主角瑪琪的戲份。我想也就是因為瑪琪這樣叛逆又好奇的個性,才會讓《茉莉人生》,讓伊朗這個國家帶給全世界新的觀感,新的震撼吧!

對於在台灣這片土地上的人來說,國族的認同問題方興未埃。看完《茉莉人生》,相信應該也是各有各的解讀。但大家一定會認同的是,不論是什麼人,都沒有人天生是好戰又喜歡專制的。最後想說,很開心第一次在動畫片中聽到老搖滾樂。

觀影報告──惡童當街

by 吳宜霈

在不同國家貓所代表的意義不同,在埃及貓的地位崇高如神,甚至將貓做成木乃伊與法老同葬;許多地方視黑貓為不吉利的動物。在日本,貓具有不可思議的能力,最有名的貓是招財貓,另外還有許多貓的寺廟和貓祭,和靈貓救人的傳說[1]

《惡童當街》影片中,小黑、小白被稱為「貓」,從貓的習性和特質看來,可以想像此稱謂從何而來。貓,動作靈活、神秘、獨來獨往、有個性,賦予人無限想像和解讀空間。望遠鏡是小黑生存的裝備之一,他們平常沒事的時候,總是盤據在寶町的某個高處,電線桿、高塔、大樓屋頂……等,靜靜的觀察這城市的動靜。踞高臨下好像什麼事都逃過過他們的雙眼,維持著自認為王的尊嚴,看顧著「我的城市」。帶著如貓般的靈活身手,在城市街弄中穿梭、來去自如,如同在中國華北地區,江湖黑話讚揚一個人做事乾淨俐落迅速、不招搖聲張的人綽號是「貓兒臉」[2]。貓獨來獨往的也被視為自由的象徵,小黑和小白的自由來自破碎的家庭,沒人照顧,也沒人管束,因此造就了他們如貓的性格,他們就是這樣保護自己,在混亂的社會中求生存。小白被追殺時,被刀子刺中流了很多血,還是頑強的活了下來,讓人深刻體會何謂「九命怪貓」的求生能力。

影片中有很多以動物為名的綽號,例如:貓、老鼠、黃鼠狼、龍、虎、蝶、蛇,很有趣。黃鼠狼屬於貂科動物,善於奔跑、鑽洞,適應力強、夜行性、以鼠類為主食,也吃青蛙、鳥類、蛇……等動物。從食物鍊來看,黃鼠狼是屬於上層的消費者動物。在影片中,是人心黑暗面的象徵。但我最喜歡的角色卻是「老鼠」。鈴木先生綽號老鼠,是個有趣的角色。有黑道身分,對占卜有研究、念舊,混黑道已到達老大級的地位。沒有逞凶鬥狠,總是沉著冷靜的樣子,對寶町有一套自己的看法。他說了許多令人印象深刻的話,例如:「你要相信愛,那是很重要的;愛這個城市,牢記在此長大的恩情;越愛這個城市,就會傷得越深;誕生是幻滅的開始……」。活到這個歲數,歷經城市的變化,鈴木先生看開生死,被木村殺死前,還將他的經驗教給木村,「有了小孩以後,你要更愛惜自己的生命」。是個很酷的黑道老大。

影中的暴力令人膽顫心驚,但是更深刻的感受是小黑和小白這兩個角色,令人心疼。對生命絕望是很可怕的,好在導演將人打入最深沉的衝擊後,安排了發芽綻放的蘋果樹,是絕地重生的希望啊!激發我們對生命的省思,看完影片覺得自己是很幸福的,當面對生命中的黑暗時,希望有如小白般的夥伴,也能和小黑一樣,正視心中的黑暗,選擇自己的道路。


[1] http://student.wtuc.edu.tw/~1092204044/cat_3.htm

[2]戴特勒夫.布魯姆(Detlef Bluhm)著。張志成譯。貓的足跡—— 貓如何走入人類的歷史?Katzenspuren。台北市:左岸文化。2006年03月。

圖像文本到動畫的載體轉換-《茉莉人生》與《惡童當街》觀影心得

by 徐寶惠

前言

《茉莉人生》與《惡童當街》是我第一次看到以整部漫畫來改編成動畫長片的文本。以往所看到的多是漫畫改編劇場版動畫,編寫於漫畫文本外的新劇本拍攝而成;或是每週連載約二十五分鐘的漫畫改編短動畫,忠於漫畫文本,但畫面上常有定格、重複,即使表現原有劇情與畫面,卻總令人感到不耐。

我在想是否漫畫連載的形式與動畫要求故事整體之間,其間必須有轉換的取捨;漫畫可以不斷的述說,每一節中有高潮、轉折,幾節又合為一篇故事段落,,沒有故事整體時間的限制。然動畫長片的主題必須要明確,在很短的時間內必須抓到重點:主線的劇情脈絡,起承轉合的鋪陳,時間壓縮下,在細節亦須取捨以使故事清晰角色明確。以下分就此兩部片做觀影心得陳述:

《茉莉人生》

自傳性的事實呈現

無法相信,在距離我們很接近的1980年代左右,在伊朗的兒童是經歷這樣的人生。導演自傳性的圖像小說改編成的《茉莉人生》,採2D手繪動畫方式,黑白灰階的主調,配上述說當下時一點點的色彩;有部分時候運用漫畫誇張的手法,人物的造型扭曲、變形等。先入為主的無法想像如果這部片子是以全彩的方式來表達圖像,是否依然可以感到那樣的時代氛圍:在看圖像小說文本的時候,那樣規律的方格,大量黑色的面紗與衣服,整齊的文字,對比白色的茉莉花;如果在動畫時豐富了起來,應該無法表達出原著隱含的那種壓抑。

在取材上,篇幅甚多的圖像小說裡面,最終導演是打散了再拼湊出整體;原作者即是導演,最後的呈現上面,很多關於國家重大事件,是經過主角身邊的人物輕描淡寫的說出後以他們實際遇到的日常生活小事中表現出來。在《語言與人生》一書中曾經提到「事實」的影響作用,不需借用技巧說明,僅採用抽象作用低的事實就有驚人的影響力,因在事實的陳述中,實際上是讓讀者參與其中,說出之中的話語,自己做出結論來。在動畫劇本的改編上,依然保有這樣的敘說方式,這也是為什麼這部片子可給予極大的震撼與感動。雖有人說這部片子裡面包含的東西太多;但是否能分清,是訊息太多或是太重?

不要忘記妳從哪裡來

「我知道,當我選擇說出這個故事,我就再也回不去了。」我佩服作者的勇氣,即使被伊朗所禁,她有她的選擇,將故事說出來。是認真的、誠實的對觀者說話,也是對自己的回顧。在時代環境之下的成長,故鄉對於她是重要的存在,而在故事之外,得以大聲的說出自己來自於伊朗,不理會外在對於中東地方的誤解與謬論,也因為她認同了自己,所以我們看見了《茉莉人生》。

《惡童當街》

黑與白

《惡童當街》裡黑的夥伴除了白,似乎還有烏鴉,飛翔在天空、城市裡,片中的唯一那隻陪著黑。烏鴉有人間和妖界的守護者的寓意,是否也代表黑守護著寶町的孤傲的姿態呢?即使不受歡迎也是在城市中在垃圾堆裡求生存的,用鳥喙去啄食,偶而為求取食糧而攻擊人的存在?而白,在日本被認為是神的顏色,象徵純潔無瑕,卻其實為了救黑,毫不猶豫用火反擊了敵人。世界該無非黑即白的道理,其實不論是小黑或是小白,就色彩來說都是純粹不受污染的非顏色,為了單純的信念而努力去做。當白在報告守護程式的和平,由黑用暴力來執行;當黑在心靈的博鬥時,白用圖畫突破出內心的掙扎。

最後黑所穿外衣上太極陰陽圖,似乎應證這樣的想法:不但圖是由陰(黑)陽(白)二氣、二元對立相互聯結的統一體;過圓心任一分半,都必包含陰陽兩個因素,不存在沒有內在矛盾的成份。矛盾在脫下他們的服裝之後,才真正可以回到最初,片中兩次他們卸下裝扮,第一次是在澡堂:小白吃了蘋果,要將其種下;第二次是到海邊:當他們離開之後,開了蘋果花。就基督教世界的觀點來說,蘋果的象徵意義是非常濃厚的智慧之果。或許可以想做吃蘋果表示沾上了原罪(之後和黑道衝突開始),而後用代表神(小白)的寶血洗淨之後,最末雖然他們都遺忘了,犯下的罪消解在新生的蘋果上,重獲新生。

在那裡可以看見什麼?

日文原題「鋼筋混凝土」,明顯看出寶町是裡頭的主角,雖然它無聲乍看下也無生命。在看幕後花絮的時候,看著導演一步步的蒐集程式的資料,「城市不屬於任何人」,我覺得導演想要表達出這樣的感覺。變遷連同在城市之中的人、事、物,所以黑與白也被迫轉變;就跟寶町一同成長也改變了,最終樣貌也許改變,但眼見是否為憑?過程也是一種記憶,「在那裡可以看見什麼?」在裡頭人物的眼中看出去,到最末由寶町的眼看過來,「在這裡可以看見大家。」;城市不單屬於個人,也不將任何人排拒在外,包含的一切,是寶町之所以存在的珍貴,在這裡發生的每一件事情,即使不堪,都是共有的曾經,承載於上。

很喜歡裡頭的角色,尤其是木村與鈴木、老爺爺與警官,寶町的人;他們所表現的是真實活過這樣歲月與環境的人物,故事裡面沒有說清,但因為他們與寶町共在,所以才會有黑與白。雖然他們以為自己是王,主宰著這城,但對於沒有父母的黑與白而言,存活下來必定有他人協助;雖未明說,但從他們嘴中「我的城市」可以看出他們對於寶町的感情,與想保留某些記憶的人們相同。

小結

這兩部片子非常接近現實的生活,現在的生活,也許在圖像的文本當中有許多的誇張或想像的地方,因為本身材料資訊是有厚度的,在並不直說出作者的話語之中,事實的呈現給予觀者很大的詮釋空間。改編成為動畫的過程,新加入的片斷或是場景實際的建構,從圖像到圖像之中的缺塊,可以讓導演有打破在重組的可能,也有填補上的困難。動畫的優勢在於畫面的延續性與聲音,恍如身入其境於其時空中,在亦真亦假之繩索上漫遊。

另外,動畫也可以表達一些不堪的事實,是這次觀影給我的震撼。我不知道這樣的動畫文本,是否適合給予我們所想的「兒童」觀看,對於未列管的漫畫或是動畫,兒童常輕易的穿梭其中。縱然轉換之中有痛苦、有衝突,在過程中每個人有不同的體會和當時代可能遭受到的狀況,我們是否能夠「相信小白」,放手讓自己或兒童去享受人生?

觀影心得3:茉莉人生 & 惡童當街

by 陳君豪

茉莉人生 根據法國知名漫畫「我在伊朗長大」改編的動畫電影【茉莉人生】,以第一人稱的方式展開敘事,技巧地從一名伊朗女性的成長經歷,間接帶出這個國家的變遷,在提供宏大的國族歷史背景同時,也充滿了細膩動人的感性。

惡童當街 改編自日本創作巨匠松本大洋超人氣的同名漫畫,也是他的作品首度以動畫形式登場,搭配他獨樹一格的POP藝術和創作風格,讓本片在日本動漫界享有 極高的評價,也是松本迷們不能錯過的大作。松本大洋多部作品都曾經搬上大銀幕,包括日本年輕影帝漥塚洋介主演的《乒乓》、和青春偶像松田龍平主演的《藍色青春》。

黑與白

兩部影片中同樣都充滿了黑與白的意象運用,茉莉人生片中,彩色是瑪琪現在的生活與過去未受獨裁政權前,雖是彩色但畫面卻顯得單調。黑白畫面則是瑪琪過去那段找尋自我的日子,黑白畫面卻相當意外的活潑而有興味,黑白畫呈現的是在困頓與迷惘中(黑),仍有一絲的希望和願景(白),或許在作者心中,她非常懷念那段所謂黑白的人生,但卻代表它珍貴的啟蒙歲月。黑中之白的表現都令人印象深刻,如煙在空中的軌跡,充滿律動感與優美感。

惡童當街中,主人翁小黑與小白就是黑與白的對照。兩人就像一陰一陽,一正一邪,缺一不可,這也是許多作品中共通的主題:黑與白的辯證問題,但是在惡童中,關係並不是完全對立,他們彼此的關係是黑白相混,像是太極一般黑中有白、白中有黑,彼此相生相滅,小白不能沒有小黑,反之亦然。劇中的人物反派也都不是完全的邪惡,反而還具有善的一面,反而是代表正派的警方,劇中無法阻止黑道的相互爭權,只做了了保護小白,因為小白是寶町的最後希望。

兩劇中的白,都隱含了人的希望,就算它很淡薄,但只要看到亮光,人就會有勇氣活下去,繼續找尋存活的理由。

兩個我

瑪琪的自我迷失,不是在專制的伊朗,反而是在自由的歐洲。等到某一天,在鏡中看到的自己,與在伊朗時那個有自信的瑪琪不同,「鏡中自我」那幕讓她開始重新找尋自我,出現了兩個自我。最後,審視了自己的瑪琪,回到了誠實廉正(從前)與受歐洲自由思想洗禮後(現今)的混和自我,也就是最適合自己的自我。

小黑的迷失,發生於小白被帶進警局安置之後。小黑的存有價值被剝奪了,他的價值就是維護寶町和保護小白,但他更重視後者。所以他自我迷失了,鼬(黃鼠狼)就是他內心的另一面,也就是另一自我,兩個自我人格的衝突,如果不是小白的及時呼喚,小黑會化身成阿修羅,墮入魔道。這一幕讓我想到「鬥陣俱樂部」,主人翁分裂成兩種自我人格。但是小白讓小黑心中的缺憾(螺絲)能夠補足,回到以前的小黑。

其實小黑與小白,兩人就像一陰一陽,一正一邪,缺一不可,像是太極一般黑中有白、白中有黑。其實他們兩人也可能是一個完整的自我,缺一不可。

花--茉莉花與蘋果花

兩部片中都有提到花,瑪琪外婆身上的茉莉花香,猶如片名所要強調的,就是瑪嘉魂牽夢縈的鄉愁。堅強的瑪嘉就像她片中清 唱的「Eye of Tiger」,憑藉生存的意志不斷奮戰下去。外婆所堅持的理念真善美,也與茉莉花香的清新脫俗一樣,在異鄉的瑪琪,茉莉花就代表了外婆,還有外婆的告誡:

「一生中,你會遇見一些笨蛋,他們傷害你,是因為他們愚蠢,你不必因此回應他們的惡意,世上最糟糕的就是自卑和報復,要永遠維持自尊和誠實廉正。」

使得少女瑪琪能夠堅持自己的理念,茉莉花成為了她的救贖,但是花其實是外婆的象徵,從頭到尾,外婆都拯救了她。

惡童中小白一開始所種下的蘋果種子,就是對於寶町這城市僅存的一絲希望,小白和小黑對於傳統、記憶中的城鎮,希冀它能夠存活下來,但對於他們來說,又何嘗不是如此呢?彼此的相知相惜,所擁抱的共同希望也寄託在這顆種子上了。在經歷小黑的迷惘、心中的鼬(黃鼠狼)的誘惑後,黑白二人徜徉在海中,小黑更是從水中浮起,內心已被洗滌了,而最令人動容的一幕,共同種下的種子終於開花了,救贖之花,它是蘋果的花。

觀後心得

by 顏志豪

《罐頭裡的精靈》

不管是《罐頭裡的精靈》、《飛躍藍調》都是以城市為背景,講述著人類如何在城市中,找到自身價值。這兩位主角都有穩定的工作,每天固定上下班,有如變成機器人一般,每天的生活不斷的重複。我的生活只是這樣嗎?我到底還欠什麼呢?這是很多上班族的心聲。《罐頭裡的精靈》的主角阿蒙就是一個類似這樣的角色,直到精靈出現,他的生活才有些改變,精靈讓他許下二願望,他的願望是一片草原和一頓豐富的餐點。阿蒙選擇了花朵和美食,或許有人會認為阿蒙的決定怎麼會這樣平凡,但我卻認為這兩個願望是很好的願望。人類的科技不管如何發達,是無法取代大自然對人類的重要性,沒有大自然的滋養,人類應該無法活下去,畢竟人類跟機器人不同,人類有心靈,心靈與大自然有著非常密切的關連,心靈常從大自然獲得養分,得到安慰。阿蒙選擇自然,因為他長期與城市的冰冷為伍,心靈已經幾乎乾涸,若得到大自然的薰陶,讓心靈獲得能量,這是多麼棒的一件事啊。另外,美食更是對人類來說,更是一種享受,食物處了可以讓人得以生存,通常美食也會讓人感到立即的愉悅,那種愉悅結合味覺、視覺、嗅覺與觸覺的享受,是多麼棒的一件事。這兩個願望都是一種簡單的幸福,這種幸福每個人都可以做到,但很多人都忽略了。以為幸福是要賺很多錢、擁有很多的名聲與權力,但是他們都忘了,最棒的幸福是這種簡單的幸福。這種簡單的幸福製造出簡單的快樂,我相信體會所有美的事物絕對是人類存在的意義之一,藉由欣賞這些美的事物,感受到人存在是多麼棒的一件事,而非只是週而復始的工作賺錢,《罐頭裡的精靈》又再次喚醒大家這種享受單純的美、簡單的幸福。因此,我對於阿蒙選擇的這兩個願望非常喜歡。

《影音日記》

《影音日記》是一部相當特別的影片,導演的手繪的複雜線條表現出肉體圓潤豐腴,也表現出肉體的動感律動。女主角柏莉是個中年婦女、身材肥胖。肥胖的原因可以猜出有二,第一,是過多對食物的攝取,也可是說是一種對慾望(desire)的渴求,象徵一種追求享樂的表現,導演大膽撕開女人的衣服,沒有任何的包裝掩飾下,肉體真實的呈現在觀眾面前,這是令人震撼的。肥膩晃動的肉感沒有任何修飾的出現在觀眾的面前。晃動的油膩肥肉形成一股特別的美感,導演故意製造肥肉堆滿整個畫面的鏡頭,再刻意以v8的視野製造出瘋狂混亂,令人頭暈的鏡頭,再再讓人聯想到物質慾望充斥的社會,這是最真實的社會。相較之下,許多更強調應該優雅的生活,才有品味,影片的紊亂肥胖的女主角,可能就被視為是粗俗,不堪入目,更不談不上高貴,但是有多少人高貴衣服裡面,是更為醜陋的內心,反而這種真實更是一種美的象徵。

另外,《影音日記》影片不只人物躁動,鏡頭也是動個不停,都採用跟拍的主觀鏡頭,跟《惡童當街》有異曲同工之妙,但是兩部影片的風格卻極為不同,雖然都是「愛動」的鏡頭,但是《惡童當街》的鏡頭是長著翅膀的鏡頭,觀眾可以感受到其流暢節奏;相反的,《影音日記》的鏡頭雖然愛動,卻是斷續不流暢,另觀眾十分不舒服,呈現出兩種不同的鏡頭美學,十分有趣。這或許跟作者拍攝的主題有非常大的關係,《惡童當街》要表現的是小黑與小白打鬥的流暢畫面,所以飛翔的鏡頭最能表現其速度及打鬥場景,另外更重要的是,飛翔的鏡頭能完整顯現都市的場景,場景在這部片佔有非常重要的地位;而《影音日記》要表達的是不安定感,選擇的鏡頭是浮動跳躍的,他專注在人的動作,背景並非重要,如何採集表現人紊亂喧鬧和肢體扭動才是最重要,所以兩個作者選擇了不一樣的方式表達,但是對表達的主題都是相當貼切的。

惡童當街觀影報告

by 童于珊

在《惡童當街》動畫中,整座城市有如海盜爭相掠奪的版圖,看似繁華安定的寶町,街角隨時都上演著權力的角力大戰,劇情以日夜兄弟欲爭奪小黑和小白的地盤為開場,此後一連串的打鬥,全都圍繞同一個命題:這個城市究竟屬於誰?從小混混、角頭老大、黑道甚至外來人士,他們對城市的劃分都不盡相同,小黑與小白自幼在街頭討生活,對於追殺一事早已司空見慣,儘管小黑多次以「我的城市」來稱呼寶町,但他和其他幫派份子不同的是,他始終站在守護自己地盤的角度,試圖捍衛他和小白的生存權,以及童年僅存的單純夢想。比起為了開發而不計任何犧牲的外來人士,城市的定義表面看似廣義,空間的再造與版圖擴充,似乎營造了城市更新再建設的假象,實際上,地圖上呈現的經緯度、面積也不過是空泛的數字,少了人情味的城市亦如同除卻了核心價值,不具有任何意義。

片中運用了多重敘事視角,描述各角色心中的城市面貌:黑道老大老鼠一出場即感嘆,寶町的街道變了許多,卻也變得比較沒有人情味;流浪漢老爺爺訴說撿破爛換錢的生意越來越難做,拼命在街上要錢卻四處碰壁的淒涼景象,而警官藤村懷念從前當制服警察時,城市保有的人情味。在世代的交接點,新與舊的對抗成了故事主軸之一,運用新舊產生的衝突同時也反映了舊時代人們擔憂城市的記憶會消失殆盡,只是年輕一代的人們或許感覺不到城市的變化,盲目地追求全面的翻新改變,摧毀原有的事物,或是根本毫不在乎,對於一切視若無睹,城市的危機就避免不了,有人選擇接受、有人默默反抗,也有人挺身而出,面對城市精神的消失,此片將維護的任務付諸暴力實行,透過孩子最本能的野蠻行為,將反抗與暴力美學結合,也強化了整部片的衝突,不過這樣的暴力卻不是單純的殺戮,在血腥底下,仍能感受到道義精神,例如老鼠亟欲想保留紅燈區的念頭和改建兒童賭場的意見產生衝突,他維護寶町的心態保有對舊日時光的緬懷,相較之下,蛇一心剷除舊事物的作法,顯得冷酷而無人性,儘管老鼠是黑道,看似極惡的行為之下,竟也隱含了惻隱之心,也讓觀眾重新思考界定善惡的絕對性,小白保衛地球的呼喊口號、小黑為了朋友挺身而出的勇氣,都是真實人生的一種證明,也許他們的生活有如過街老鼠,但生存意義卻十分真切。

當選擇了以街頭惡童作為主角,也預告了善惡分野的模糊地帶,過去以孩子為主角的影片中,成人多半強調孩子良善的本質,視偷竊、械鬥等惡行為洪水猛獸,卻忽略了大環境下,孩子為了生存而做出的決定,儘管小黑與小白必須仰賴偷竊為生,還不時需捍衛地盤,他們對於美好童年的幻想,以及相信蘋果種子終究能開花的傻勁,則格外地天真可貴,兩相對照之下,無奈而殘酷的現實卻因而有了溫柔的一面,那些母親帶小孩、小白希冀與鐵絲網內的孩子過一般生活的畫面,在小白的想像中,幻化成一幅幅的美景,也許最後街頭奮戰的日子依舊要進行下去,生活在社會最底層的角落,真實活過綻放的笑顏,將成為難以抹滅的記憶。

《惡童當街》觀影心得

by 蔡竺均
片頭一開始以小白點燃火柴開始了劇情,火,看似無害,但卻也要等到嚐到苦頭之後才知道它的力量以及破壞力;老人如此的述說著火,平淡但卻引人深思。烏鴉振翅飛翔,以及太陽的刺眼的光亮搭配著充滿節奏感的音樂,似乎也蘊含著神秘力量,讓筆者一下子就被這部動畫吸引了過去。這樣看來,音樂的節奏感、搭配、使用,是一個吸引觀眾的重要關鍵。隨著烏鴉的飛翔,經過寶町櫛次鱗比的建築、繁華的街道以及河堤,鏡頭跟著烏鴉的前進,毫無阻礙的運鏡,就可以感受到烏鴉飛翔時的速度感,就像是在天上跟隨著烏鴉一起行動。

有很多片段情節大多數都是由上方俯視著每一個角落的,好比小黑很愛在高處俯瞰著屬於他的城市,觀察著每一個地方的細節,或者是觀察在他的轄區是否有發生什麼事情,就像一個君臨天下的帝王姿態。或者是神秘男子蛇,他的辦公室是在高處,透過透明的玻璃窗,也能俯瞰整個寶町;唯一和小黑不同的是,小黑是在沒有隔一層玻璃阻礙的高處看著寶町。還有在結尾的部分,小黑站在懸崖上若有所思的看著他的手掌,爾後往海裡面跳,似乎也沿襲了他在寶町的習慣,不同的是,在海邊沒有不再有爭鬥,也不再有人威脅著他的生存。

動畫中,有出現很多關於眼睛造型的事物,第一個就是寶町的形狀,看起來就像是一隻眼睛;兒童城的地面,有眼睛形狀的地磚。還有小白在片中被帶到警局安置時,畫了關於眼睛的圖案;另外還有小黑在兒童城時遇到龍蝶的裝扮,佩戴著眼睛項鍊;還有最後在海邊時,小白各式各樣的貝殼,疊成的一個像眼睛形狀的物體。這些片段,似乎都要提醒著什麼。眼睛所看到的一切,有好有惡,有純潔面,也有黑暗面。為了生存下去的小黑和小白,喋血於街頭,是惡還是善?鈴木從小就失去雙親而不得已成為混混,是惡還是善?以及木村為了保存自己妻兒而不得已殺了視為父親的鈴木,是惡還是善?如何去辨別所謂的善與惡,在險惡的環境中如何讓自己能安心過日,似乎是一個相當難的課題。

《惡童當街》─ 或許配角才是現實的人生,他們的眼睛看到了什麼?

by 王俊凱

一、 前言 片尾的Roll Card告訴了我誰最重要

第一次看《惡童當街》已經是2007年影展的事情了,當時內心被開場烏鴉的第一人稱視點給深深地震攝到。在2008年是第二次觀看《惡童當街》,當時我記得那組同學對於影片中「太極」、「食物鏈」以及「眼睛」的圖像關係讓我印象深刻,原來這部作品所要談論的議題,是如此之深。2009年再次觀看《惡童當街》,我試著尋找除了小黑與小白之外,其他角色在這部片所佔的地位,於是我先從戲份的份量輕重開始著手,發現除了小黑與小白外,其他角色加起來所佔用的時間也不少,而照出場時間來看,佔最多的是「木村」扮演黑道的年輕人,再來是「澤田」扮演刑警的大學新鮮人,其次是「鈴木」(老鼠)以及藤村(老刑警)。從片尾的Roll Card來觀察,也會發現導演先讓小黑與小白出現後,接著的順序便是「木村」、「澤田」、「鈴木」、「老人」以及「藤村」,可見「木村」與「澤田」「鈴木」、「藤村」,或許是導演想要強調的裏角色。

二、 木村眼裡看到的,真實人生

木村在「惡」片裡開始,已是名漸漸有地位的黑道,從片頭他的老大鈴木(老鼠)問他相不相信占卜,他回答:「我不相信任何事情」帶出木村此時的人生觀,但在木村稍後對巧克拉一幫人所使用手段(割耳朵恐嚇),木村用行動告訴了我們「他相信暴力」。不巧的是,遇上了小黑,比他更暴力更有力量的人,而且還是個小孩,加上鈴木在事後要他休息一陣子,在他內心除了感受到他人對他的否定外,也開始對自己的信仰,暴力,有些微的動搖(但筆者認為此時鈴木不是要否定木村,是在保護木村)。於是木村借酒澆愁遇上了蛇,他看到了蛇身上了力量,蛇身上的暴力力量之大,讓他重拾了他對力量的追尋,但木村也發現這當中似乎跟他原先追尋的力量有些微不同?當木村在蛇身上遇到了自己曾經對巧克拉使用過的手段,「威脅親人」,木村似乎體悟到了什麼,不擇手段的暴力好嗎?他懷疑著,他轉而開始尋找他要的東西「真」,也就是他小孩的名字。當木村拿著槍抵著蛇,蛇反問木村是誰要他這麼做的,木村回答:「愛,愛和真誠」,隨著木村的小孩將在春天誕生,木村告訴了觀眾,他的信仰已經從「暴力」轉換為「愛與真誠」,這是他從鈴木身上繼承下來的。於是木村決定要搬離寶町,要離開這個已經被「現實」入侵的地方,但他不像巧克拉那麼幸運,可以跟媽媽搭著火車離開,現實的大漩渦由不得他輕易脫身。這是我在「惡」片裡第一個看到的人生,木村不像小黑小白那般純粹,木村,就像我們週遭的人,與現實相互磨合的人生,曾經相信著什麼,不斷地破滅、重生。

三、 澤田告訴了我,他在守護著小孩的心靈

澤田在片中是位剛出社會的東大生,放棄了國家公務員高考,選擇了刑警的工作。片中不斷提醒著觀眾他有「性冷感」,即使炒飯也不會有快感,在一幕脫衣場的戲中,鈴木與藤村在一旁談著寶町的歷史演變,導演卻在後頭給了觀眾澤田大打呵欠的鏡頭;一副事不關己的樣子,就像小白小黑在火車上被殺手追殺的畫面,座位上的人完全不管小黑小白身上受的傷,自顧自地睡著。但澤田在作者的安排下,並不是一個平板的角色,從澤田接觸小白開始,他開始有所變化了,小白相對於澤田,是個純粹的角色,是澤田從未接觸過的人,與小白的相處,讓澤田開始懂得去關心身邊的人,懂得去保護身邊的人。鈴木曾在死前對木村提過自己小時父母離逝,在運動會玩兩人三腳的遊戲只能跟老師搭檔,且說了一句自我體悟的話:「小孩的心靈是很脆弱的」;這在片尾澤田與藤村跟著小白到屋頂上的遊樂場找小黑時,藤村問澤田:「小黑那小子真的會來嘛?」,澤田回答:「既然小白這麼說 我們就相信他吧」接著藤村說:「毫無根據要我怎麼相信呢?」澤田說:「藤村,懷疑是不好的」,片尾的澤田說出的這句話,如同遵循鈴木的遺言,他正守護著我們內心裡的小孩,那股純粹的心靈力量。

澤田讓我想到剛出社會的人,對於社會上發生的事情都默不關心,如同澤田的性冷感。筆者聯想到自己的人生,在參與了人生第一次社會運動後,發現身旁的人,用盡全力,只為了別人的那股力量,是筆者從未體悟過的,這股力量深深地感動了我,也悄悄地改變了我看待世界的角度,或許,就像片中小白的純粹力量,在無意間改變了澤田一般。

四、 鈴木與藤村告訴了我,他們的答案

「幸好死的這一天是一個好日子」這是鈴木被木村拿槍指時,說的其中一句話,他似乎已經知道自己會被「蛇」那幫人給殺害。隨後一幕藤村在驗屍房看著鈴木說:「這就是你的答案嗎,老鼠」從兩人的對話看來,導演偷偷地告訴我們,藤村與鈴木兩人的交情匪淺。寶町的破滅,以年紀來看,這兩人在戲中是較有份量去談論的,畢竟寶町對鈴木與藤村兩人,佔去了他們大半輩子,他們的事業與人生都在這度過,面對現實環境的壓迫,兩人都只能選擇接受。但鈴木與藤村有些不同,他孤自看著大型工地的建築興起,他離開了原先的組織,鈴木在木村加入蛇的組織時,問了木村一句話:「我問你,一個人開始拒絕變化,是因為年紀大了嗎?」這句話斢露鈴木無法接受這樣的改變,於是乎鈴木他寧願選擇接受死亡。看似是木村被迫殺害了他,倒不如說是鈴木選擇了讓木村殺,鈴木接到木村電話那一幕,照在鏡子上的畫面就像是看自己的遺照,且鈴木大可讓手下保護他;鈴木之所以選擇這條路,除了是出於對木村的親子之愛,也是要藉由死前的忠告,傳授木村他這一生的做人道理;死亡的言語也順便告訴藤村(或許是最了解他的同輩人),他無法接受寶町的破滅,所以藤村對著鈴木的屍體說:「這就是你的答案嗎,老鼠」

五、 結尾─老人告訴了我,他擁有黑白皆可分明的雙眼

在Roll Card當中,穿插在前面討論的四人當中,就是老人這個角色了。從老人的眼珠看到,他的雙眼是一黑一白,老人在片中並沒有去裁決誰好誰不好,只是不斷透露出這個社會的變遷快速(在此筆者聯想到《No Country for Old Man》這部電影,台譯《險路勿近》)。老人給筆者的感覺,只是不斷地傳達導演想要追尋的真理「小白與小黑」,我猜想作者在此片不在強調正邪之爭的是非對錯,也不在於豎立對資本主義的反感,作者或許是想傳達人們應該是要像老人一樣,即使面對外在環境的變遷,也要保有純粹的內心,以及擁有黑白皆可分明的雙眼,來看透事物的真理,

《惡童當街》觀影心得

by 賴孟葶

《惡童當街》中寶町從前的熱鬧繁榮,從建築物林立,招牌雜亂眾多就可見一斑。如此擁擠的地方,有著傳統與現在的衝突,傳統產業不斷的沒落,重工業和商業城不斷進駐。小黑和小白像是被傳統的城市所拋棄,現在社會卻又不容接受的人肉皮球。為何片中沒有社會局的人來關切這些遊街的少年們呢?這是當時在觀賞時很大的疑惑。我認為,因為寶町正處於轉型階段,政府必定將注意力集中於此,因為轉型成工商業社會的利益價值的吸引力一定大過於處理流浪兒童的社會問題。這正好是轉型城市的一項弊病!政府積極建設,尋求更大的經濟效益,只看見轉型後城市的前景,卻疏忽在轉型過程中對市井小民的影響。轉型成功時,才發現這些最根本的社會問題沒有解決,卻又把它看成傳染病或毒瘤一樣,急於剷除乾淨,卻忘了曾經也是城市的一份子。

融合東南亞各國元素的兒童樂園,雖然華麗炫爛,卻帶著灰暗髒亂,就像是建造這些城市的商人,不斷用新穎的事物去說服當地的居民和官員,表面認為是帶給這個傳統都市新的氣象,背地裡卻黑心的大賺人民的金錢,將傳統一掃而空。兒童樂園的各種動物雕像,看起來其實都相當驚悚恐怖,對比進入樂園的人開懷大笑,彷彿是入了虎口的羊,卻還不知自己身在危險之地。

「在人的心靈最深處,永遠有著最潔白無瑕的淨土」,這是我觀看《惡童當街》最深的感觸。無論是成人或是小孩,都因為生存而不斷自我成長,甚至自我毀滅。片中的成人為了自己的利益,可以出賣背叛友人;小孩為了生存,不得不逞兇惡鬥,宣示自己的地位性。可是汲汲營營的日子讓人疲憊,讓人困惑努力的目標是什麼。小黑在武裝卸下後的眼淚,夾雜著太多的情緒:是對社會對待不公的抱怨,對自己保護能力不足的責備,對失去小白支持力量的軟落,以及對快樂童年的嚮往。

在小黑與內心的自己天人交戰的段落,雖然相當冗長,卻表現出身處在社會化的小孩,究竟他該用早熟的眼光去認清世界,還是以心中純真童稚的心靈去感受世界?小黑明白自己必須武裝,才能存活在瞬息萬變的社會裡。可是他畢竟只是孩子,他僅存潔白無瑕的心靈是靠著小白給予的信任才能持之以恆,因此失去小白對小黑來說,就如同心中少了一的重要的螺絲,因為是小白讓他明白原來世界還是很美麗的。

「愛」是一塊昂貴的寶物,用再多的金錢也無法體會到,卻都是人類不斷追求的目標。黑道給人的印象都是噬血,殺人不眨眼。從本片中黑道社會卻也有充滿情義的人,且不斷強調愛和真誠的重要性。雖然進入黑道是不對的選擇,但所憧憬的也是單純幸福的家庭生活,可見愛的力量相當強大,足以瓦解來自黑暗的強大勢力,小黑也是因為對小白的關愛讓他戰勝自己的黑暗力量。

在電影的運鏡中,宛如實拍電影的跟蹤運鏡方式,讓觀眾相當有臨場感,使觀眾彷彿身歷其境,跟著主角不停的在奔跑。超廣角的鏡頭,除了呈現多重立體視角,更讓觀眾體會到小孩看這偌大世界的角度,與成人所觀看的世界是相當不一樣,且看見更多成人世界所看不見的現實與汙穢。

松本大洋《惡童當街》心得

by 林依綺

震撼的暴力美學

這部片真是堪稱本學期最推薦之巨作,一開場的音樂就令人熱血沸騰到最高點,跟著烏鴉的主觀鏡頭一同流覽寶町的街景,白天充滿異國風情的街道,竟會隱藏著許多灰暗的事情。主角小黑在電線桿上俯視著他的城市,這座他可以掌控生殺大權的城市,和小白相依為命的生活就是他的一切,小時候無法擺脫被遺棄的命運,於是被動的受傷害和被迫的一夜成長,演變成現在的主動攻擊,主動和被動間的微妙關係,就是在於一念之間。選擇有尊嚴的活著,但也選擇接受暴力謀生的生活模式,「有時候不受傷,就無法看清楚真實」,小白和小黑可說是深刻的體驗到,靈活的手腳和冷靜的頭腦是兩兄弟在艱辛的成長過程中唯一的保護罩,一旦面臨了即將失去手足和生活空間的危機,內心的潛在暴力終於大爆發。

導演Michael Arias是半個日本人,如何深入的揣摩東方日本文化可能是外界對於導演能力的一大質疑,但他以黑道暴力和色情的題材來融入本片中,剛開始會覺得似乎在影射日本繁榮經濟下的黑暗階層,但後面出現的鈴木為了木村的妻兒甘願挨子彈而亡,道盡了黑道的仁義相挺精神,這場景深深觸動我心坎,使我眼眶不禁泛紅,聯想到另一部電影「死神的精準度」中的一段黑道大哥和小弟的故事,表現出黑道精神層面的意義,不像平常所想加入黑道的膚淺炫耀心態,這點令我動容,而且我很滿意導演能做到這部分的處理。

純真感應的孩童能力

小白純真的個性在這淤泥般的城市,是如此的可貴,也可以說是這城市需要他,而不是小白要仰賴這城市的鼻息生活著,他的豐富情感是小黑心中缺乏的螺絲,但他們不是上帝的失敗品,他們是互補的一對小天使,即使經過這麼多磨難,做過這麼多殘忍的事。小白多麼想回歸正常生活,看他趴在小學的鐵絲網外帶著羨慕的眼神在觀看網內的小孩無憂無慮的歡笑著,卻還是天真浪漫的安慰小黑。

肉體的自由不代表真正的自由,即使小白漂浮在空中,好似一隻快樂的小鳥,而存著一豬公的撲滿想要實現坐飛機的願望,也是另一種滿足自由的方法,片頭和片尾皆有潛入水中的畫面,而在海邊蓋房子則是嚮往無邊無際的生活,如此懷抱單純夢想的小孩,是如何成為沒有道德感的混混?片中並無著墨太多,只從胖胖的藤村警官口中得知他們是對無父母的孤兒,所以奪走他們的自由的是遺棄他們的大人,他們轉而從大人手中換取金錢和自尊。

惡童當街觀影報告

by 黃立平

兒童的力量:暴力、哭鬧、反抗

第一次看《惡童當街》覺得跟以往看動畫的經驗很不相同,漫畫式的誇張與強烈的音樂,讓人覺得很熱血,一開始有點緊張,想說這個男孩會做出什麼會嚇人的事來?但結果是,他並不是一個嚇人的人,也不是惡童,他是個在掙扎與反抗的被社會遺棄的孩子。這或許並沒有什麼不好,他可以不用去上學,不用受正規的學校教育,他可以自己教育自己,不用接受社會的管教。而且他並不是一個人,還有小白也跟他一樣。

我很認同小孩的反抗與暴力,我會不知不覺就站在他們的立場,好像可以藉由他們的暴力來表達一些不滿,而且我很認同讓小孩自己發聲,我們往往都理所當然地認為小孩子沒有力量,但這部動畫顛覆了這樣的想法,而且讓人看得很過癮,就這部動畫孩童暴力的表現部份,好像自己也化身為小黑,為某些事進行反抗。

會如此激烈進行反抗的孩子,都是有原因的,例如孤兒或是不被社會認可、接受的兒童,這會讓我想到最近看的小說《分解人》,他們也是一群到了15歲,被父母簽下分解令,強行讓他們被分解,他們是一群被認為不應該繼續活下去、擁有他們自己人生的人。這跟《惡童當街》有可以連接的部份,因為分解人的社會規定要棄養新生兒,可以把他放在某家人的門口,而那家人就一定要撫養他,直到他15歲,父母就可以決定是否要讓小孩繼續活下去。《惡童當街》裡的小黑小白也是遭到棄養的孩子,《分解人》中被放棄的孩子到15歲,有實質的力量可以進行反抗,他們心中有憎恨的念頭,憎恨想要除掉他們的大人,他們是社會的邊緣人,在夾縫中求生存,逃躲大人的追捕,重點是他們也想要有自己的人生。小黑與小白也到了力量足以反抗的年齡,看到他們的力量超越了強權或霸權的力量是一件大快人心的事。

與成人的關係:黑與白的中間

片中小黑小白與其他成人的關係,是變動的關係,不是絕對的壞與絕對的對立:例如警察從睜隻眼閉隻眼看著小黑與小白,到後來有更大的惡勢力出現,他們轉為保護小黑小白。老流浪漢是能和小黑小白討論事情,稍微照顧他們,在旁看著他們的成長、生活的人。黑道(老鼠、木村)從一開始的衝突到最後的同情與認同,變成同一陣營,有同一信念。黑道也是一個社會的縮影,舊黑道與新黑道,新城市與舊城市。甚至黑道與警察的關係也很耐人尋味。與其說他們是黑道、是成人,倒不如說他們都是人,有著內心的衝突與矛盾,就像小黑和小白一樣,也不是絕對的黑或白,會依著時間與事情與人的關係而改變。

相較之下,一個看不出人性的東西,代表著絕對的惡,是蛇與他的手下。小黑其實有能力用他絕對的惡的部份去對抗,但他最後選擇了和小白一起到別的地方生活,或許他認為即使他成功的抵抗了絕對的惡—蛇,他自己也會變成那絕對的惡吧。

另一種方式:小白的信仰

讓我有點意外的是,小白是有信仰的,他相信傷害他人是罪過,常常請求神明的原諒。他是不為社會接受的邊緣人,但卻有著同樣的信仰,可見有些人對於同樣信仰的人並不見得會認同對方,他們認同的可能還是一些合乎社會規範的東西。但是和小黑比較,小孩的柔軟與看起來傻傻的樣子,還是比較容易為一些人接受,就像他最後還是被警察保護,面對強權,他選擇的是另一種方式面對,或許也是一種比較善待自己的方式吧,找個地方,讓自己開開心心的活著。

與《茉莉人生》比較

與《茉莉人生》的童年比較:同樣有內心的衝突與矛盾,有自我認同、社會認同的問題,有選擇在哪裡生活的問題。不同的是成長的環境:一個是變動中的城市;另一個是政權動盪的國家。一個是孤兒,兩人互相依靠在城市中生存,必須武裝自己、保護自己;另一個是還算富裕的家庭,有很多家人親戚(大家族),以適當的行為舉止保持安全,並靠著家裡提供的經濟來源到國外生活,引發對自己國家認同的探尋,有家世背景的女孩,最終還是認同自己的國家。與《茉莉人生》相比,《惡童當街》的孩子最終沒有回歸家庭,《惡童當街》的爆發力,與對這個社會的質疑,這或許是它最後沒有得獎得原因。

《惡童當街》觀影與報告

by 董惠芳

《惡童當街》這樣的題材,不論是動畫或是漫畫,由於故事中所包含的議題非常多;用大量繁複的線條,強烈的、堆疊的色塊來描繪擁擠城市,人物角色造型並不符合一般視覺上的美感經驗,誇張的動作,超現實的敘事方式等因素,畫面所呈現出的是一種血淋淋的「視覺暴力」。

其中,筆者想討論的有以下兩個部分:

一、誰的城市:故事主角小黑、小白,及其他黑道人物都將「寶町」稱做「我的城市」,但就一般人的認知而言,城市是一個公共的空間,這個公共空間對小黑和小白而言可能存在著什麼樣的認知?

二、BLACK & WHITE:《BLACK & WHITE》是《惡童當街》的英文片名。中文片名譯作「惡童」,似乎想藉著影片刻意強調出其中的「惡」,造成與「善」的對立?「黑」與「白」一般被視為兩種相互對立的標準。若以此對應至劇中的小黑和小白,可以說「黑」即是「惡」,「白」即是「善」嗎?他們存在的核心價值是對立的嗎?還是一組相互依存的共同體?或者可將故事架構佔放一邊,將之視為同一個個體同時具有的兩種意識?

一、誰的城市

對小黑和小白來說,他們是不知道父母是誰的孤兒,在一般孩子應該受到良好保護的時期,他們已在街上流浪,住的是廢棄的舊車;他們沒有姓氏、沒有財產、沒有確實明白的身份、他們不屬於誰家的小孩,但是他們必須生存。城市是他們賴以生存的空間,在某種程度上而言,其意義等同於「家」;保護自己的家是天經地義的。

小黑保護「家」(城市)的方式是「暴力」,用暴力排除一切他不希望出現的干擾;小白保護「家」(城市)的方式是「逃避」,用超乎現實的目光排除一切他所不樂見的。他們都理直氣壯的稱「寶町」為「我的城市」,城市提供他們遮風避雨的地方,讓他們有個安身的場所。「我的城市」這個說法,看似城市附屬於所有者,但事實上,是他們附屬於城市,城市給了他們最基本身份的認定,一旦失去了城市,他們就真的什麼都沒有。他們用自己的方式在愛這個城市;即使是個強勢佔有、血腥殘忍的方式,那也是一種愛。

鈴木和木村是黑道,「寶町」是個提供他們各式生活所需的地方,他們用暴力的方式索求城市的給予,「我的城市」對他們而言比較近似「供應」的角色,失去城市就失去供給需求的來源。

蛇以及他的組織對「寶町」而言是外來者,帶著某種目的而來,城市有他們需要的資源,但也同樣存在阻礙,「我的城市」從他們口中說出,格外顯示出佔有、自私的謀利行為。甚至不惜一切剷除城市中種種阻撓,破壞它的樣貌、打亂它原有的秩序。

城市之於小黑、小白,等同於「家」,是個不容許侵犯的場域;對鈴木及木村等人而言,城市是個記憶的盒子,存有種種美好的過往與曾經的願景;蛇與其同夥則視城市為美好未來的藍圖。「我的城市」雖由不同的角色口中說出,但是城市本身從未真正屬於誰;「我的城市」或可解讀為「我的○○」的代稱。

二、BLACK & WHITE

在色彩學上來說,所有的顏色是因為反射了色光而使得肉眼可辨,但「黑」可以定義為沒有任何可見光進入視覺範圍,或者說吸收了所有的可見光而成為「黑」;「白」則是所有可見光都同時進入視覺範圍內,或者說含括了所有色光。「黑」與「白」是兩個極端,當被引伸在行為、道德、區域等各方面時,「黑」與「白」一般被視為兩種相互對立的標準。

中文片名將《BLACK & WHITE》譯作「惡童」,可以說是將「黑」等同於「惡」,「白」等同於「善」。其中小黑所表現的惡行與小白所展現的天真,真的是那麼純粹的黑與白嗎?小黑的惡性背後仍可見掙扎,至少他保護小白的和對其舉動所展現出的體貼和善,就絕對不能說是惡。小白看似無暇純潔,但在小黑受到威脅時,他依然出現了暴力的舉動,這樣的暴力是他原本就存有的呢?或者只是被逼倒退無可退的反擊?小黑和小白在故事中被塑造成相互依賴對方生存的共同體,兩人都是「上帝的失敗品,少了幾個螺絲」,兩人所欠缺的部分就正好是對方可以填補的特質,小黑的世界是個沒有光的所在,但是他可以在混沌中看見小白;小白眼中看透了五顏六色的世界,看似透明純淨中卻能容下小黑的黑。由這個立場看來,「善」與「惡」可以含括「黑」與「白」的特質嗎?

若跳脫故事的架構來看,小黑和小白的存在可不可以說是同一個體同時具有的兩種意識?正如世界上的價值沒有所謂純粹的惡或是純粹的善,端看個人站在什麼樣的立場來解讀。惡行的出發點不一定是惡的念頭,同樣的,善行的源頭也不見得是善意;「惡童」當街,這個惡又是怎麼樣的呢?在故事中惡人之外有更惡的人、暴力之後有更大的暴力。

「黑」與「白」都可以被跨越。小黑和小白存在的核心價值並非全然對立,而是相互抗衡、拉扯。在沒有光的地方看見光源的希望,在最明亮的空間中察覺到黑暗。

執著死亡放下

by 黃培欽

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執著於

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所以

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因為 clip_image014 選擇放下小白

結果(另類新生)

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模糊的黑影,於是逐漸被巨大的黑暗所籠罩。黃鼠狼出現了!

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有所牽掛

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再度面臨抉擇

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………向左走.

向右走………

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為了小白的安全

離開打打殺殺的寶町

從此退隱……

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接受黃鼠狼的力量

為了擁有寶町

變身黑暗

選擇放下寶町

執著死亡之後

(獲得新生)

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茉莉人生片中,瑪琪與第二任男友馬基交往過程最為甜蜜浪漫,感情付出最多,後遭背叛,也最心傷。她開始放逐自己、流浪街頭,過著行屍走肉的暗淡歲月!對她而言,失去愛情等同失去生命意義,感染肺病痊癒後,即使回到德黑蘭,她依舊抓不到可以努力的方向,最後選擇自殺。她的煩惱來自她的執著,唯有死亡,方能置之死地而後生。

惡童當街,我看到一樣的「執著」,不同地是,愛情變成「友情」!

小黑執著於「寶町」賦予他的生命記憶與小白的友情。

寶町,讓小黑有家的感覺。

小白,讓小黑不再孤單。

小黑的執著如同瑪琪的執著,非經死亡放不下!

他說:「寶町,是我的城市!」對小黑而言,寶町像是一位母親孕生他。但對蛇而言,他卻想成為創造寶町生命的父親!這愛,這執著當然不可共享,蛇開始了「剷除」行動!

小黑的另一執著,小白,在剷除行動中差點犧牲!這使得他開始懷疑自己的能力,並且質疑自己是否可以繼續擁有寶町、保護小白?

接著,小黑選擇「放下」小白,讓警察來作安置與保護。但是失去小白後,他卻也同時失去自己的定位,如同失去陽光,黑影將不再「明顯」呈現。

這樣模糊的黑影,於是逐漸被巨大的黑暗所籠罩。黃鼠狼出現了!初登場,便展現它絕對性的「征服力量」,秒殺龍虎蝶其中兩大高手。

在小黑最無助的時候,它伸出熱情的手,積極表示友好!然而,小黑的心中尚存牽掛,一隻白鴿飛掠心頭,一道白光化成一朵純潔的白花!無生命的堅固寶町,有生命的脆弱小白,盤繞心中的兩種執著,最後畢竟要做抉擇。

小黑毅然放開黃鼠狼的手,墜向岩漿火海,唯有死亡可以擺脫執著的糾纏。過往的小黑死了,而後新的小黑將誕生!他出現在海邊,變成一位陽光少年,感受在海裡游泳的自在氛圍,浮出水面,他看著小白!

小白和他一樣,都執著於這份友情。小白說過,他們兩人都是上帝造物的失敗品,少了好幾根螺絲,他們得互相扶持,才能完美!

執著,引領的方向是死亡與不變。

放下,導往的人生是新生與變化。

後來呢,小黑與小白的故事會是如何?從此過著幸福快樂的日子嗎?哈哈……端看彼此的執著與放下,如何抉擇?

動畫研究「綜合討論三」

by 楊郁君

一、鏡頭與劇本

整個電影呈現的方式,有別於一般日本街道給人乾淨潔白的感覺,而多了看板的繁雜感,一開始比較像台灣或香港掛滿招牌的街頭,色彩非常豐富,有些不好搭配的顏色卻配的很好,在整個畫面的呈現上來說卻不會顯得很突兀,小黑與小白站在五彩繽紛的背景之前,非但沒有被搶走風采,3D的背景反而將角色更突顯出來,很佩服他們的美工設計,即使背景與人物分開製作,也不影響配色,非常用心。廣角鏡頭的手法,從下往上仰視,讓小孩子看起來好像真的很小,也像是由小孩的角度去看那林立的眾多高樓。一開始隨著日夜兄弟去找寶町街道的「貓」,鏡頭切換在街道上打鬥鏡頭與刑警問話,這樣交錯之中,慢慢浮現傳說中的「貓」究竟是何方神聖。影片中有許多誇張的手法,比如小白就這樣從巴士上往下跳,完全沒有做防備姿勢,掉在車子快速穿梭的馬路上,利用許多超現實的技巧,小白說話時會出現超現實的畫面,而那超現實的畫面都是開花的花朵,就像在髒亂的城市中唯一的一片淨土。有些畫面安排的方式,像真的電影手法,當開槍之後,「碰」的一聲,應該會有人倒下,卻配合鐵罐被踢出去的畫面,同時避開血腥畫面又帶出另一個畫面的故事。故事情節緊湊且流暢,雖然是動畫仍有把打鬥的速度感描繪出來,頗有身歷其境之感。

二、劇中對比之處

一開始的小黑與小白兩個人,名字相反、個性也截然不同,是相反也是互補,小白說的「他是上帝作壞掉的,小白的身體裡少了很多螺絲」,「小黑也是上帝作壞掉的,他也少了很多螺絲」,「但是小黑沒有的!小白身體裡全都有!」當小黑批評別人時,小白說「說別人壞話會使心靈乾涸」,一個黑暗與破滅,一個光明與希望,雖然兩個人都一樣都是街頭惡童,小黑總會想要保護小白,讓他不要受到傷害,也認為自己生存的意義就是為了保護小白。另外兩個兄弟也是一個日一個夜,一樣一個代表光明一個代表黑暗,而較年長的都是黑暗的代表,夜哥哥與小黑都是兩個團體裡年紀較大的孩子,是否暗示在那樣的複雜的社會裡,唯有黑勢力才能求生存。

不同個性的黑道人物,一個代號老鼠、一個代號蛇,似乎在他們的代名詞上就已經說明他們的個性,也暗示兩者相較之下,誰會是贏家。蛇吃老鼠是大自然的食物鏈,老鼠知道自己在怎麼逃也躲不掉蛇的攻擊,寧願犧牲自己性命去換取下屬的存活機會,坦蕩蕩的面對死亡,那一刻老鼠老大在下屬眼淚的陪襯之下,顯得很有尊嚴;相較之下,龍虎蝶三者為蛇老大賣命身亡,不但沒有博取任何一滴眼淚,只換來淡淡一句,「上頭會派更厲害的來」,這樣的兩相比較很容易看出兩者的差異性,蛇老大還帶著眼鏡,就像是一隻毒性很強的眼鏡蛇,而老鼠知道自己屬於弱勢的一方,但不畏縮,否則在接到木村下屬電話的時候,他大可以不去赴約,顯示氣概與典範。

破壞與新生,即將被拆掉的妓女院,或許會覺得那沒什麼用處,拆掉又何妨,事實上就如老鼠說得,那是多少男人成長的回憶,不捨的或許不是脫衣舞廳,而是那念舊的回憶,那些街道都有點滴的記憶在裡面。新建的兒童樂園,是一個新的東西,就像一個外來者,入侵寶町這個地方,對當地人必定有所衝擊,牽扯到黑道給人的印象更差,反方向思考,以當時來說它是新的,但多年後它將不只是男人的回憶,會是許多大人小孩童年的回憶,寶町這個地方需要一個改頭換面的機會,只要不放棄,再糟的環境也可以結出果實,就像蘋果的種子最後開花一樣。

三、使用的象徵手法

「貓」、「蛇」、「老鼠」三者的食物鏈,無論是貓捉老鼠或蛇吃老鼠,老鼠似乎一直都是最弱勢的角色,在劇中確實也是如此,被小黑打的悽慘的老鼠手下與蛇派木村去殺害曾是自己老大的老鼠;貓與蛇互鬥,到最後貓終究贏了,他們的代號中暗藏玄機,隱約透露出三者關係。

傳說中的黃鼠狼,從故事一開始就一直鋪排黃鼠狼這個傳奇人物,這個黃鼠狼到底是真是假,就像一開始日夜兄弟到寶町去找「貓」,發現真的有「貓」,不是傳說而已,故事的安排讓我一直以為黃鼠狼應該會是成年人,當他出現時,發現是小黑的黑暗面,意外這樣的結果,但仔細回想,夜哥哥說「他相信有黃鼠狼,因為真的有貓」,似乎暗示黃鼠狼的真實身份,如果黃鼠狼就是小黑的黑暗面,為何一直都有黃鼠狼的傳說,莫非小黑黑暗的時期就曾以黃鼠狼出現?

四、影片與漫畫比較

漫畫一格一格的畫法,其實很像分鏡腳本,只是沒有註明時間與鏡號,如果以一分鐘24格來說,動畫要畫的分鏡還是比漫畫多,如果看漫畫書會發現,漫畫框架並非固定的格式,而有可能是梯形或三角形,而非每一個畫面都是固定的四方形,動畫則應該使用固定的四方形架構。動畫是由鏡頭帶著我們去看畫面,漫畫有些部份需要靠自己連貫起來,漫畫雖然可以呈現打鬥感,卻沒有動畫的速度感,像小黑與小白往上跳,一層一層的往上或是追逐時的速度感,漫畫呈現不出來,漫畫為黑白色而動畫是彩色,相較之下動畫的畫面看起來更豐富。動畫的人物和漫畫版本有些許不同,改變成更符合大眾的人物樣貌。動畫與漫畫的圖像呈現也有所限制,文字可以描述人物的內心戲或內心掙扎,而圖像呈現,就得將那虛擬的黑暗角色刻劃出來,因此出現黃鼠狼的角色來表示小黑自己內心黑暗與光明的拉扯。有時候看漫畫,如果同一個框有兩個以上的對話框,會有點不清楚誰先發言,雖然也可以繼續看下去,但會出現不流暢的問題;看動畫,已經有專業小組安排妥當,整個影片看起來就相當流暢,不會有觀賞上的問題,最多只有理解上的深淺差異。

蘋果的滋味~黑與白反璞歸真的願望

by 柯惠玲

等我們都忘記的時候,就會發芽了吧。」小黑對殷殷盼望蘋果種子發芽的小白這麼說。蘋果種子何時會發芽,不僅是小白念念叨叨的牽掛,更是觀眾也想探知與猜測的,因為,顯而易見的,蘋果種子在影片及漫畫中都是重要的象徵物,種子發芽與否,種子能不能如小白所夢想的順利長成蘋果樹,都象徵與預示著小黑、小白內心的趨向以及未卜的將來。除此之外,「蘋果」,此一象徵物是否還有其他重要的隱喻或意涵呢?

在《惡童當街》漫畫文本中,蘋果最早出現在第六話----巧克拉的部下香草為了向黑道木村輸誠,將巧克拉的身家資料交予木村,並說出巧克拉父母住在青森(漫畫旁還有附註:日本蘋果的重要產地)一事,香草說:「他每年都有收到蘋果」。(見圖一)這是「蘋果」的首次現身。

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(圖一)

接著便是小白在澡堂大口咬蘋果並夢想種下蘋果樹的情節,小白說:「洗完澡吃蘋果最爽了!尤其是吃青森的蘋果。」(見圖二)蘋果的意涵在此慢慢延展開來了。

為什麼小白能吃到青森的蘋果?不僅因為小黑、小白與巧克拉交情匪淺----巧克拉視黑白二人為師父,同時,青森的蘋果是巧克拉的父母寄來的,包含著親情、愛心與關懷,而這些情感,更是小黑、小白自小缺乏但又隱約嚮往的。在漫畫文本裡,蘋果是滌淨一切污穢後的美好滋味,象徵著小白純真無垢的希望,他種下蘋果種子,不僅是種下了脫離塵俗紛擾的夢想,更是種下了對「家」的企望。漫畫文本裡的蘋果種子旁,插著一根招牌,上寫:「小白的樹」,並慎重其事地在旁邊築土護衛,昭示了他對這些企望的重視與在乎。(見圖三)

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(圖二)

clip_image006(圖三)

但為什麼小白在澡堂裡洗淨身軀後,第一口享受到的是蘋果?而不是橘子?不是水蜜桃?不是種種其他?除了必須與巧克拉、青森(象徵親情)等情節連結的需要,動畫文本更運用鏡頭的連結,為蘋果的象徵意涵做了更進一層的延伸。象徵資本主義的光頭開發商訓誡傳統黑道鈴木不要妨礙他的寶町開發計畫時,大口咬下鮮豔飽滿的水蜜桃,口部大咬的特寫,渾圓的水蜜桃佔滿一半景框,觀眾感受到的不是水蜜桃的多汁可口,而是開發商「吃人」、貪婪的嘴臉,水蜜桃成了被開發地區(寶町)任人魚肉的象徵。(見圖四)

緊接著水蜜桃的特寫,就是小白口咬蘋果的鏡頭(見圖五)。導演以近景將特寫的緊迫感拉遠,小白的純真臉孔、白晰皮膚對應著鮮紅的蘋果,傳達出來的是童真與可愛。水蜜桃與蘋果在此成了兩個顯著且鮮明的對照----成人的世故與孩子的天真,開發者的破壞、貪婪、掠奪與傳統價值的愛、關懷與美好。

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(圖四) (圖五)

導演與觀眾都是嚮往美好的吧。片尾的蘋果種子不僅發芽,而且綻放出粉紅花朵。花朵的型態樸素卻優雅,像是路邊平凡無奇的小花,但這也反映出:其實心中的良善人人皆有,對於純真、自由的夢想亦是人人嚮往,但它們往往平凡得容易遭人遺忘或忽視,當花兒緩緩萌芽、開放的時候,唯有耐心觀看與等待的人才能一睹生命的奇蹟,這也正是小黑所謂:「等我們都忘記的時候,就會發芽了吧。」

clip_image012(圖五)

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